D'immenses ombres noires et profondes tombent sur un fond de feuillage calligraphié dans toutes les nuances de gris possibles et imaginables. Le metteur en scène Peter Sellars suit attentivement les mouvements des trois personnages principaux lors d'une répétition de "Feather Mantle" à l'Opéra national. Avec 'Always Strong', ce court opéra forme le programme de l'Opéra national. programme double Seul le son reste de Kaija Saariaho avec laquelle le 15 mars le Festival Opera Forward ouvert.
Seul le son reste est basé sur deux pièces traditionnelles du théâtre japonais Nôh. Les mouvements lents et magnifiés du contre-ténor Philippe Jaroussky, du baryton Davone Tines et de la danseuse Nora Kimball-Mentzos en sont le reflet. La musique diffuse et éthérée de Saariaho est interprétée par un ensemble instrumental de sept membres et un chœur à quatre voix. Lors des répétitions qui ont eu lieu plus de deux semaines avant la première, les deux solistes chantent déjà tout par cœur, tandis que les choristes lisent des partitions.
Le ténor Albert van Ommen explique la difficulté des parties chorales : Nous sommes très dissonants entre nous, nous n'avons pas d'emprise les uns sur les autres. Nous sommes en train d'apprendre de quel instrument nous devons jouer. repère J'ai donc commencé à comprendre et à apprécier la musique". Jaroussky reconnaît également que le langage de Saariaho est délicat. Il a eu beaucoup de mal à mémoriser son rôle, mais il est ravi de la méthode de Saariaho : "Comme ma voix est manipulée électroniquement, je peux me concentrer complètement et faire les plus petites inflexions. Ainsi, l'opéra sonnera différemment à chaque représentation".
Après la répétition, je m'entretiens avec Kaija Saariaho, dont DNO produit également les opéras Emilie et L'amour de loin produits. Comme lors d'entretiens précédents, y compris sur Carte circulaire qu'elle a composé pour le Royal Concertgebouw Orchestra en 2012, la compositrice franco-finlandaise formule ses idées de manière réfléchie. Elle n'a jamais été une bavarde exubérante.
Only the Sound Remains ouvre le festival Opera Forward. Est-il nécessaire d'assurer l'avenir de l'opéra ?
L'institution de l'opéra est intrinsèquement ancienne et lourde, parce que tant de formes d'art sont réunies dans de si grandes formations : grands chœurs, grand orchestre, innombrables solistes, décors, costumes, etc. Mais même avec ces éléments traditionnels, il est possible de faire des choses qui nous attirent différemment aujourd'hui. Ne serait-ce que parce qu'elles sont réalisées par des compositeurs d'aujourd'hui. Dans ce programme double, je fais quelque chose de complètement différent : je n'ai que sept musiciens. En contrepartie, il y a une énorme batterie d'électronique en direct et, bien que ce soit exigeant sur le plan scénique, je peux... Seul le son reste peut également être joué dans d'autres lieux qu'une salle d'opéra".
Les nouveaux opéras attirent moins de public que le répertoire classique. Comment gérez-vous cette situation en tant que compositeur ?
'Eh bien... (Elle sourit en s'excusant) Je pense sincèrement que c'est à l'organisateur d'expliquer au public qu'il peut s'agir d'un art intéressant, même s'il ne s'agit pas de Puccini. En l'occurrence, nous avons des chanteurs fantastiques, dont Philippe Jaroussky, qui est exceptionnel. Je peux imaginer que beaucoup de gens qui aiment le chant viennent à l'opéra, même si a priori ils n'ont pas de sentiments positifs à l'égard de ma musique. Peut-être viennent-ils pour voir et entendre Philippe. '
Peter Sellars a suggéré de demander à Jaroussky, comment avez-vous répondu ?
Dès le début, j'ai pensé à un contre-ténor pour l'esprit de "Always Strong" et je connais Jaroussky depuis longtemps. J'ai assisté à plusieurs de ses concerts à Paris et j'aime beaucoup sa voix et sa façon de chanter. D'une certaine manière, il me semblait hors de portée, car je ne l'avais jamais entendu dans le domaine de la musique contemporaine. Aussi, lorsque Peter a eu l'idée de le solliciter, j'ai été agréablement surprise. Nous nous sommes dit : nous pouvons toujours essayer !
Philippe Jaroussky a accepté et nous avons commencé à travailler ensemble. Nous avons étudié sa voix et il m'a chanté plusieurs choses. Au début, j'étais un peu prudent, car je ne connaissais pas toutes ses capacités, et chaque contre-ténor est différent. Lorsque j'ai terminé "Always Strong", nous nous sommes retrouvés pour étudier la partition. Il a fait quelques suggestions, sur lesquelles nous avons adapté certains passages. Puis il a suggéré qu'il aimerait aussi chanter l'ange dans 'Feather Mantle' et maintenant je ne peux pas imaginer comment cela aurait pu être différent. '
Jaroussky disait se réjouir des manipulations électroniques de sa voix. Que faut-il en déduire ?
Tous les appareils électroniques seront temps réel Sa voix est donc éditée en direct avec différentes formes d'écho et de retard. J'ai développé un nouveau logiciel spécialement pour cet opéra, en collaboration avec Christophe Lebreton, avec qui je travaille depuis de nombreuses années. L'électronique est très différente dans les deux opéras. Dans 'Always Strong', nous multiplions la voix de Philippe en empilant ses lignes vocales les unes sur les autres, pour ainsi dire, en créant des harmoniques sombres ; dans 'Feather Mantle', nous appliquons un effet qui donne à sa voix une texture semblable à celle d'une cloche.
Ensemble, les deux opéras s'appellent "Only the Sound Remains", d'où ce titre ?
qui est tirée d'une ligne de Tsunemasa ("Always Strong"). Les paroles sont très profondes, et lorsque Peter et moi avons réfléchi à un titre général, nous avons réalisé que toute matière disparaît de nos vies. Cette idée est tangentiellement évoquée dans cette phrase, qui provient d'une phrase poétique sur la nature. Quoi qu'il en soit, les deux pièces contiennent de belles descriptions de la nature. Cela sonne aussi un peu mystérieux, ce qui convient bien à ce travail.
Qu'est-ce qui vous attire dans les deux pièces de Nôh ?
‘Les deux sont symboliques et métaphoriques, de sorte que chacun peut en faire sa propre interprétation, et c'est ce qui m'a attiré. Always Strong" parle de l'esprit d'un guerrier qui revient parce qu'un service commémoratif est organisé en son honneur. Il a été tué sur le champ de bataille et le livret décrit sa relation avec le monde, se déplaçant constamment à la frontière de l'(in)visibilité.
La deuxième pièce Hagorono ('Feather Mantle') raconte l'histoire d'un ange qui a laissé tomber son manteau de plumes et qui ne peut pas retourner au ciel. Son manteau de plumes est trouvé par un pêcheur, qui ne veut pas le rendre. Ce n'est que lorsque l'ange lui promet de danser pour lui qu'elle récupère le manteau, après quoi elle disparaît en dansant au-dessus du mont Fuji. Il s'agit là encore d'une histoire simple, que vous pouvez interpréter selon vos propres sentiments.‘Quelle est votre propre interprétation ?
J'ai découvert ces pièces grâce aux traductions d'Ezra Pound. Plus tôt, dans Sombre pour baryton et six musiciens, j'ai utilisé un de ses textes. Son langage est TELLEMENT inspirant, il dit beaucoup avec peu de mots, même dans ces histoires de contes de fées. Cela convenait parfaitement, car j'avais l'intention de donner beaucoup d'espace à la musique dans ce projet. De plus, je voulais travailler avec un contre-ténor, trouver des personnages surnaturels et utiliser l'électronique. Beaucoup de choses se sont donc combinées dans le choix de ces deux pièces. Le fantôme et l'ange sont un peu mystérieux, mais je ne m'étendrai pas sur ma propre interprétation. Ma musique est mon interprétation !
Comment avez-vous choisi cette profession ?
Je n'ai jamais travaillé avec un contre-ténor auparavant et je veux relever un nouveau défi à chaque nouvelle pièce. De plus, ce type de voix ambiguë - ni masculine ni féminine - convient bien au sujet. Pour faire contrepoids, j'ai choisi un baryton plus terrien. Je voulais absolument une flûte, non seulement parce qu'elle est mentionnée dans les deux textes, mais aussi parce que j'avais envie de travailler avec Camilla Hoitenga, qui connaît parfaitement ma langue. Le bon sens veut donc que l'on utilise également un quatuor à cordes et, bien sûr, des percussions.
Le kantele est un instrument de percussion particulier. Cette planche à découper finlandaise est apparentée au koto japonais, mais sa sonorité est très différente, car ses cordes sont en acier et non en soie. Le kantele est populaire en Finlande, mais je n'avais jamais écrit pour lui auparavant et j'ai été attiré par son tintement. En Emilie J'avais fait l'expérience de la manière dont je pouvais colorer la musique avec un clavecin, ce qui me permettait de lui donner une identité propre. J'ai ainsi pu lui donner sa propre identité ; aujourd'hui, le timbre général est en partie déterminé par le kantele. Le chœur à quatre voix commente et décrit les actions des personnages, comme le chœur des tragédies grecques.
Vous travaillez avec Peter Sellars, avec qui vous avez déjà réalisé L'amour de loin, Adriana Mater et La Passion de Simone. Qu'est-ce qui vous attire dans son approche ?
Il accorde beaucoup d'attention au projet dans son ensemble et à la musique. Il sait comment motiver les chanteurs à chanter de manière très expressive, à sa manière, et peut toujours expliquer exactement pourquoi il fait ce qu'il fait. Les gens qualifient souvent sa mise en scène de provocante, mais ne voient pas l'effet qu'elle a sur les chanteurs. Cela donne une profondeur énorme à leur interprétation, un aspect de son travail qui est souvent négligé. C'est pour moi un privilège de travailler avec lui".
J'ai réalisé un reportage pour SWR2 Cluster, qui a été diffusé le 18 mars 2016. Il peut être écouté sur YouTube :
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