En perspective #15 : Avec une guitare basse dans un meuble ou une salle de classe

Cees van Leeuwen a été guitariste basse dans le groupe pop Kayak. Pas pour très longtemps ; rapidement, il choisit de reprendre ses études : anthropologie culturelle et droit. Il s'est spécialisé dans le droit du travail et du spectacle et a commencé à travailler comme avocat. Plus tard, il a été le conseiller juridique de la chanteuse Anouk, entre autres. Cees van Leeuwen a également été secrétaire d'État à la culture (au nom de la LPF) pendant un an.

C'est à ce titre qu'il est entré dans le bâtiment de la Fondation de Rotterdam pour la formation artistique (SKVR) un lundi matin d'octobre 2002. Il y a assisté à la présentation nationale du cours Beroepskunstenaars in de Klas, BIK. Ce cours a duré plus longtemps que le secrétariat d'État de Cees van Leeuwen, bien qu'en tant que projet national, il n'ait finalement pas duré longtemps non plus.

Climat de l'art, revenus des artistes, charge de travail en baisse.

Le projet Professional Artists in the Classroom devait répondre à trois objectifs. Le gouvernement central souhaitait renforcer le climat culturel dans les écoles, offrir des possibilités de revenus supplémentaires aux artistes professionnels qui utilisaient la loi sur l'aide au revenu pour les artistes (WIK) et pallier la pénurie d'enseignants de matières.

L'éducation culturelle et la participation figuraient parmi les priorités du ministère de l'éducation, de la culture et des sciences (OCW) et des fonctionnaires ambitieux dans ce domaine. En particulier : l'actuel directeur de l'OBA Amsterdam, Martin Berendse, et l'actuel directeur de la Fondation Boekman, Jan Jaap Knol. Ce sont eux qui m'ont chargé, avec Kunstenaars & Co (Theo van Adrichem), de réaliser rapidement un projet susceptible de répondre à ces trois objectifs.

Il y avait une base, car à Tilburg et Enschede, des expériences ont été menées avec un projet Artists in the Classroom. L'objectif était de former des artistes pour qu'ils deviennent des enseignants plus ou moins qualifiés. Cependant, cette qualification et toutes les cloches et sifflets bureaucratiques qui l'entourent constituaient un obstacle majeur1. Pour notre part, nous n'insisterions pas sur le fait d'être un enseignant, mais un artiste. L'artiste doit rester un artiste, avec juste assez d'outils didactiques et pratiques pour tenir sa place dans la classe, et bien sûr de préférence plus que cela.

Il n'y a rien de mal avec les professeurs d'art, mais le fait d'être un artiste apporte sa propre valeur ajoutée à la classe. Les artistes peuvent éventuellement ajouter une couche plus profonde à des projets artistiques déjà en cours, ou ils peuvent apporter de nouvelles activités plus accessibles.

Centres artistiques

Au début, nous avons surtout cherché à coopérer avec l'enseignement artistique. Mais là, ils ont réagi avec beaucoup de méfiance. Y voyaient-ils une intrusion dans leur propre domaine ? Au contraire, quelques centres artistiques des grandes villes y ont tout de suite vu quelque chose. C'est ainsi que le projet a démarré avec les pionniers d'Enschede et de Tilburg et avec Kunstweb Amsterdam2Centre des arts de Groningue3 et le SKVR de Rotterdam. Plus tard, les centres artistiques de La Haye et d'Utrecht, entre autres, se sont également joints à eux4 à.

La SKVR a élaboré des modules de cours susceptibles de donner aux artistes un bagage suffisant dans un contexte ordonné et limité dans le temps. On a écrit à 2 500 artistes pour la première édition. Et 600 se sont inscrits. Finalement, 100 ont été autorisés à participer au premier cours. Au cours de cette formation, les artistes ont également effectué un stage et ont reçu chacun un coach personnel. Après environ six mois, ils ont pu commencer à travailler. Les centres artistiques ont servi de médiateurs entre les artistes et les écoles.

Maladies infantiles et enfants heureux

Il y avait beaucoup d'enthousiasme. Les écoles ont dû fermer les yeux sur les erreurs de débutants, mais une fois qu'elles l'ont fait, elles ont été satisfaites de l'offre. Pour les artistes, il ne s'agissait pas seulement d'enseigner : les projets impliquaient de préférence un développement artistique pour eux-mêmes. Ils ont ensuite travaillé avec les enfants sur un projet artistique. Il peut s'agir d'un petit projet théâtral. Ou d'une danse improvisée qui a fourni une nouvelle inspiration au danseur/chorégraphe lui-même. Un projet de photographie avec les enfants autour du patrimoine de la région. La peinture d'autoportraits. Et ainsi de suite.

Les enfants eux-mêmes ont trouvé cela passionnant : au lieu de cours d'art plus théoriques, c'est un véritable artiste qui est allé travailler avec eux. Leurs parents, qui étaient souvent absents des soirées de parents habituelles, n'étaient que trop heureux d'assister aux présentations artistiques de la classe : expositions, performances, spectacles musicaux. Le cabinet d'études Letty Ranshuysen a cité de nombreux commentaires positifs de ce type dans une première évaluation5. Les écoles ont parfois dû s'habituer à l'impulsivité des artistes et il est arrivé qu'elles en fassent plus qu'elles n'en voulaient. Mais les artistes en classe leur ont souvent ouvert les yeux.

Ranshuysen a constaté que les écoles avaient du mal à financer de tels projets artistiques. Il n'y a pas beaucoup d'argent disponible. S'il y avait des fonds supplémentaires, ils formaient un tout confus. Les dix livres par élève pour l'art dans l'enseignement primaire sont arrivés plus tard. Ranshuysen a également remarqué que les écoles appréciaient le bagage didactique que le cours BIK apportait aux artistes. Ils en ont appris un peu plus sur la façon de se comporter avec les enfants, de préparer les cours et d'apporter un minimum de structure à la leçon. Les écoles n'ont pas accordé d'importance au certificat. Elles ont suggéré d'utiliser le cours comme outil de sélection, car tous les artistes ne sont pas également adaptés à ce travail.

Pas durable

Après le premier cours BIK dispensé dans cinq localités, d'autres ont suivi, également dans d'autres villes. En quelques années, plusieurs centaines d'artistes ont reçu leur formation BIK. Quelques années plus tard, c'était fini. Les centres artistiques avaient besoin de toute l'énergie et de tout l'argent qu'ils pouvaient obtenir pour assurer leur survie, si tant est qu'ils puissent le faire. Dans de nombreux cas, ils ne l'ont donc pas fait. Et le coup de pouce financier temporaire du ministère a également pris fin.

Encore un exemple de politiques de projet ou de programme pour lesquelles les politiciens ne s'engagent pas durablement. Il n'y a alors pas le temps de construire quelque chose de structurel et de le doter d'une base financière durable.

Bien qu'il se passe encore des choses occasionnellement, il n'y a plus de coopération, de mise en réseau ou d'approche commune au niveau national, et encore moins de "marque" connue au niveau national. Plusieurs médiateurs locaux/régionaux proposent des "artistes en classe", par exemple Kunst Centraal à Utrecht, Mocca à Amsterdam ou Cultuurschakel à La Haye. (Voir leurs sites Internet). Johan Simons, Elsie de Brauw et leurs collègues ont lancé leurs propres projets "Kunst in de Klas" dans les années 1990, dans le cadre desquels ils ont réalisé et réalisent encore de courtes productions théâtrales avec des classes. 6

Il est également question d'une formation spécifique. Après le scepticisme initial de l'enseignement artistique professionnel, la Hogeschool voor de Kunsten d'Amsterdam s'est finalement jointe au projet. Avec cela, il y avait le triangle idéal : l'enseignement primaire, les centres artistiques et l'école supérieure d'art. Cela n'a pas duré longtemps.

Aujourd'hui, l'université des sciences appliquées d'Amsterdam semble être l'unique héritière du projet BIK original. Les artistes intéressés peuvent y suivre le cours BIK, "un cours post-HBO d'un an à temps partiel pour les artistes qui veulent réaliser des projets artistiques dans l'enseignement primaire."7 La coordinatrice de l'étude est Trudy Verhoeff, qui a fondé le premier cours Kunstweb à Amsterdam en 2002. Il y a donc une continuité inattendue après tout. Le site Internet du collège signale la possibilité d'une bourse STAP, mais il manque encore la contribution possible de l'OPP de Werktuig.8

Rencontres dans le quadrilatère

Il doit rester intéressant pour les artistes et pour les écoles de collaborer entre eux rencontres. Ils en profitent tous les deux. Nous pouvons encourager cela avec un autre réseau national de formation, d'offre et de médiation. D'autant plus que les trois objectifs initiaux ont conservé leur actualité.

Le climat culturel dans l'enseignement, grâce à des programmes tels que Culture de qualité et Plus de musique dans la classe, a peut-être été dynamisé, mais nous n'en sommes pas encore là. Les modèles de rémunération pour les artistes sont toujours aussi bienvenus. Et réduire la charge de travail, à défaut de répondre à la pénurie d'enseignants, est même devenu urgent.

Le recours à des artistes n'est bien sûr pas une panacée. Même avec la formation BIK, l'artiste n'est pas officiellement qualifié et un enseignant doit rester à proximité. Mais s'il est bien géré, le "gars de la BIK" peut quand même apporter une petite contribution à la résolution du problème urgent de l'imprécision.

Je vois devant moi comment se développe un quadrilatère. La perspective du marché du travail et du développement professionnel continu (Plateforme ACCT et PPO) ; les écoles de l'enseignement primaire avec leur ombrelle, le Conseil PO ; les centres artistiques et les organisations de médiation locales (avec leur ombrelle Cultuurconnectie), les écoles supérieures d'art, réunies au sein du Conseil HBO. D'ailleurs, ce ne sont pas les organisations mais les déclencheurs individuels qui feront la différence ici.

Je pense qu'il serait bien qu'à l'avenir, plus de guitaristes basse deviennent des ministres de la culture de l'État. Mais dans la salle de classe, ils s'expriment au moins aussi bien. Probablement même mieux.

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Notes de bas de page