La fiction dans les films de danse, (comment) ça marche ? Bonne question au festival Cinedans

Fransien van der Putt, en compagnie de la chorégraphe et réalisatrice de films de danse Angelika Oei, a vu cinq nouveaux films de danse néerlandais pendant Cinedans. Certains résultats étaient prometteurs. Les films ont tous transcendé le niveau du gadget visuel. À la place, on trouve une lutte avec la fiction et la crédibilité physique.

Depuis plusieurs années, le Media Fonds et le Fonds van de Podiumkunsten investissent des sommes considérables pour que les chorégraphes travaillant aux Pays-Bas puissent s'aventurer dans la réalisation d'un film de danse. Dans le cadre de Point Taken, comme s'appelle le programme, cinq films de danse sont sortis cette année, la plupart d'entre eux réalisant une forme de fiction. Sans faute, le film d'Aitana Cordero Récolte et Jakop Albohms Hors sol. Mais d'une certaine manière, la fiction ne se prête pas facilement au film de danse, semble-t-il.

Au Un homme sans cause du metteur en scène Arno Dierickx et des chorégraphes Emio Greco et Pieter C.Scholten, les danseurs jouent le rôle de personnages prodigieux dans une histoire sans issue, tout en apparaissant également comme des danseurs sur le sol d'un studio dans l'idiome de mouvement intense de Greco. Les deux couches se croisent constamment mais ne se rejoignent jamais. L'accouplement dur met particulièrement en valeur le personnage fictif en tant que chose inventée.

Aussi irréconciliable que l'assemblage de  Un homme sans cause est, tant est cohérente l'œuvre d'Aitana Cordero. RécolteLa feuille d'olivier vibrante est le protagoniste de ce mini-drame pour la nature et le mensch, où l'homme ne se montre pas sous son meilleur jour. La feuille d'olivier vibrante est le protagoniste de ce mini-drame pour la nature et le mensch, où l'homme ne se montre pas sous son meilleur jour. Tourné dans une oliveraie espagnole, les réalisateurs parviennent à créer un véritable whodunnit écologique avec des moyens très simples. Le film se moque de l'idée que les humains devraient jouer le rôle principal, et pas seulement dans les films.

La contribution du chorégraphe Thom Stuart et du metteur en scène Michiel van Jaarsveld est surprenante. Donner vie aux peintures d'Egon Schiele devrait normalement donner des frissons à une personne. Mais dans Egon entremêle ingénieusement le travail et la vie sur le plan cinématographique. Les scènes de danse tournées en couleur renvoient directement aux œuvres les plus caractéristiques de Schiele, tandis que les moments semi-biographiques en noir et blanc mettent en scène un Schiele mourant. Egon est un collage, une sorte d'impression pop-up cinématographique avec des qualités expressionnistes à la Strindberg.

Le chorégraphe Jakop Alhbom et le metteur en scène Boudewijn Koole ont également fait de la scène au cinéma. Mais où Egon et Un homme sans cause  par un montage ostentatoire enchaînant différentes réalités et fictions ou les faisant se battre entre elles comme on ne peut le faire qu'au cinéma, au Hors sol Il n'y a pas une couture ou un fil à voir. Toute l'attention va aux deux interprètes très particuliers, la danseuse étoile âgée Louise Lecavalier et l'enfant Antoine Masson. Filmé à fleur de peau, dans une situation totalement artificielle sur et autour d'une table dans un décor bleu, il fait... Hors sol montre clairement comment les fantasmes ludiques de l'enfance et le désespoir existentiel à l'approche de la mort vont de pair. L'intimité et la vulnérabilité qui, dans les pièces de théâtre d'Alhbom, sont souvent noyées dans des clichés absurdes, prennent tout leur sens dans ce film grâce à un échange exemplaire entre le matériel de mouvement, le travail de la caméra et le montage. La chorégraphie et la mise en scène coïncident.

Il est donc possible de demander à des danseurs qui travaillent normalement devant la scène de créer quelque chose devant l'œil de la caméra ? Les planchers de studio à l'écran se heurtent à des personnages fictifs, les corps qui dansent intensément se heurtent à des scénarios fictifs. Il semble que la fiction dans un film de danse ne soit possible que si le personnage reste proche des interprètes. Cavalier et Masson ne jouent pas de rôle, ils dansent, ils font. Le film d'Ahlbom, mais aussi un film essayiste sur le plaisir dans la danse l'ont prouvé. Le film Dioraphte, primé et contagieux. L'élan de Boris Seewald commence comme une interview sur les joies de la danse, mais se termine par un dialogue dansé avec une mère fictive.

La seule contribution non narrative à Point de vue a été réalisée par la chorégraphe Hillary Blake Firestone et le metteur en scène Leendert Pot. Ce qui se passe est une série de clichés magnifiques de tentes colorées sur et autour d'une digue. Ce sont des apparitions vulnérables dans un paysage construit par l'homme et régi par les éléments. Mais les tentes apparaissent en Ce qui se passe ne se séparent jamais de l'idée du créateur. Ils restent des objets fabriqués par l'homme.

Il est très difficile de faire du cinéma sans histoire, a déclaré David Hinton avant la projection de son film. Tout cela peut arriver. Sn collaboration avec la chorégraphe anglaise Siobhan Davies, il a monté un film de 50 minutes entièrement composé d'images trouvées, de clips datant de la seconde moitié du 19e siècle. Davies voulait faire un film qui traite principalement de mouvements simples, comme la marche. Cette attitude typique d'un chorégraphe s'est d'abord heurtée à la résistance du réalisateur de films et de documentaires Hinton, déjà très expérimental. "J'avais peur que ce soit ennuyeux".

Personnages fictifs ou documentaires "trouvés" ? Montage féroce ou échange fluide entre la mise en scène, la chorégraphie et le montage ? Tout comme le mouvement humain devant la caméra invite apparemment à jouer avec le montage et l'animation, le corps en mouvement devant la caméra semble également résister à la fiction. Le simple fait de zoomer sur l'humain semble suffire.

Cinedans projette de nombreux documentaires, chacun d'entre eux chevauchant la ligne entre le long métrage et le docudrame de différentes manières. Dans les merveilleux documentaires avec et sur le travail d'Akram Khan ou d'Anne Teresa De Keersmaeker, par exemple, il est permis de présenter les faits d'un point de vue subjectif. Le montage devient un moyen non seulement de dépeindre la chorégraphie d'une manière particulière et intense, mais il permet aussi de présenter différentes perspectives dans une même œuvre et de les confronter de manière subtile. Les répétitions Pluie De Keersmaeker au Ballet de l'Opéra National de Paris, comme la recherche par Khan de la nature de son identité composite en tant que Britannique et Bangladais, se prêtent parfaitement à l'approche poreuse du documentaire en tant que médium subjectif, qui dans le montage incorpore en fait tous les autres genres cinématographiques.Le film de danse s'avère donc être non seulement un genre jeune, mais aussi un genre inspirant pour les artistes de toutes les disciplines.

Le vendredi 8 et le samedi 9 mars, tu pourras encore regarder des documentaires sur le travail de Keren Levi, Kummerbuben et le Bern Balett, Ann Closet, Toer van Schaik. En outre, des programmes spéciaux sur le tango, le style urbain, le film de danse narratif et les films du département de design graphique de HKU. Voir aussi www.cinedans.nl