Grand-père italien du cinéma d'art et d'essai

Avec Michelangelo Antonioni - Il maestro del cinema moderno, EYE a une fois de plus réussi à mettre sur pied une exposition de films impeccable et solide. George Vermij a visité l'exposition sur le maître italien du cinéma et revient sur son œuvre influente.

Dans le road movie de Dino Risi Il Sorpasso (1962), le passionné et extraverti Vittorio Gassman emmène un jeune et réservé Jean-Louis Trintignant à travers l'Italie. Dans sa décapotable rapide, le vendeur folklorique tente d'impressionner un peu plus l'étudiant timide en lui parlant de cinéma. Cependant, il ne devrait rien avoir à faire avec Michelangelo Antonioni. L'aliénation de L'Eclisse (1962), selon lui, n'est bon que pour une belle sieste dans la salle de cinéma. Le clin d'œil de Risi à son collègue était, bien sûr, un clin d'œil plein d'esprit. blague de potache. Antonioni, tu ne pouvais pas l'ignorer en tant que cinéaste italien dans les années 1960. Après tout, il avait radicalement changé le langage du cinéma, que tu le trouves ennuyeux et soporifique ou non.

Weltschmerz gâté

En dehors de Gassman dans son bolide clinquant, les principaux thèmes d'Antonioni sont l'aliénation, les problèmes de communication et l'absence de sens à l'époque moderne. Cette condition humaine il a examiné principalement à travers les yeux des classes les plus aisées.
Antonioni n'avait pas le monopole de ce monde de weltschmerz gâtés. Tu peux également retrouver ce thème dans les films de Federico Fellini. La Dolce Vita (1960) et dans certains films d'Ingmar Bergman de l'époque. Antonioni, cependant, s'est distingué de ces cinéastes en affinant un type de cinéma dépouillé où tout le lest inutile a été jeté. Pas d'embellissement inutile, d'intrigue utile ou de dialogues explicatifs. En fin de compte, paradoxalement, le vide narratif de ses films en était aussi le contenu.

Cette approche moderne est une bénédiction mixte a été pour les cinéastes qui l'ont suivi. Antonioni a donné le ton au cinéma d'art et d'essai international avec ses films, créant sans le vouloir un modèle pour les générations qui allaient le suivre. Dans l'ensemble, c'est un mouvement qui adhère à certaines conventions stylistiques et thématiques autant que son homologue commercial, le film hollywoodien. Voyez-y les longs plans lents, les implications sociocritiques philosophiques et l'importance des fins ouvertes. Des éléments disséqués avec précision dans l'essai influent de David Bordwell. Le cinéma d'art et d'essai comme mode de pratique cinématographique. Ils sont encore le cheval de bataille de nombreux réalisateurs qui se respectent.

Plume de cinéphile

L'influence d'Antonioni est bien sûr soulignée par le statut de musée accordé à son œuvre à l'EYE. Par son ampleur ambitieuse, elle constitue l'introduction définitive à son œuvre. En cela, le musée peut à juste titre se considérer à nouveau comme le meilleur élève de la classe. Comme le compliment que l'EYE a reçu d'un William Kentridge satisfait pour l'organisation de son exposition à succès. expositionCette fois-ci, le compilateur Dominique Païni a fait l'éloge de l'agréable collaboration avec Jaap Guldemond, responsable des expositions à l'EYE.

Païni, en tant qu'ancien directeur de la Cinémathèque de Paris, n'est pas le moindre d'entre eux. Avec son assistante Maria Luisa Pacelli, le Français a répété lors d'une conférence de presse que l'arrangement de l'EYE était le meilleur résultat de cette expo itinérante. Par exemple, la rétrospective avait déjà été présentée au BOZAR à Bruxelles. Pacelli, en tant que directeur du musée d'art moderne de Ferrare, a fourni du matériel provenant des archives personnelles d'Antonioni. Une variété d'objets qu'Antonioni avait légués à sa ville natale, notamment ses peintures, mais aussi de belles lettres qu'il avait reçues de maîtres tels qu'Andrei Tarkovsky et Akira Kurosawa.

Des apparences sans pareilles

L'expo combine cette diversité d'objets, dispersés sur des tables d'exposition, avec des projections d'extraits emblématiques de ses films. Dans une ligne chronologique, les visiteurs sont courageusement emmenés à travers son œuvre. Des apartés traitent des fascinations récurrentes dans son œuvre ou des actrices qui se sont démarquées dans ses films. L'inégalable Monica Vitti apparaît, bien sûr, mais aussi Lucía Bosé, moins connue mais au moins aussi envoûtante, qui a joué dans les premiers films d'Antonioni.

Le cœur de l'exposition est l'espace dédié à la trilogie d'Antonioni sur la vie moderne. Tout a commencé avec le succès scandaleux de L'Avventura (1960). Un film qui a été hué lors de sa projection à Cannes, mais qui a finalement remporté le prix du jury. L'histoire d'une jeune femme disparue se transforme en un portrait aliénant sur les personnes qui la recherchent et l'impasse dans laquelle elles se trouvent. Cette condition, Antonioni l'explorera plus avant dans La Notte (1961) et L'Eclisse (1962). Des films qui ont bouleversé les attentes traditionnelles concernant le cinéma en tant que divertissement. Ou comme l'a écrit le critique de cinéma David Thomson à propos des films d'Antonioni : "Un trou s'est formé dans "l'histoire" pour que l'air informe de la vie puisse s'y infiltrer.

En y repensant, ce n'est pas un cinéma dont on tombe immédiatement amoureux. Ce sont plutôt des films qui ressemblent à de dures confrontations et qui te renvoient aux inévitables déceptions qui se cachent dans les contacts humains. C'est ce qu'exprime si bien Monica Vitti dans son rôle dans La Notte: 'Chaque fois que j'essaie de communiquer avec quelqu'un, l'amour disparaît.'

Poésie insécure

Il n'y a pas non plus de place pour une fermeture rassurante comme tu pourrais l'attendre de l'usine à rêves d'évasion du cinéma commercial. À la place, il y a l'incertitude et le désordre des fins ouvertes et des questions qui restent en suspens. C'est le choc de la reconnaissance de la vie moderne désordonnée et incertaine qu'Antonioni continue à rendre si opportun. Un état qu'il capture lucidement et parfois poétiquement dans des plans magnifiques tels que le mystérieux segment final de L'Eclisse.

L'œuvre d'Antonioni n'a pas toujours été étanche. Souffle (1966) et Le point de Zabriskie (1970), avec leur côté branché des années 60, ont le moins bien résisté à l'épreuve du temps. Ils sont surtout des capsules temporelles à la groovy années soixante. Cela en a également fait une cible facile pour les persiflages. Voyez là Mike Myers en Austin Powers qui, comme David Hemmings dans Souffle en tant que photographe de mode à balançoire Londres. Et l'emblématique ébat amoureux dans le désert dans la sortie américaine d'Antonioni. Point Zabriskie a été parodiée sans pitié dans l'infantile Kevin et Perry s'agrandissent (2000).

Le dernier grand exploit d'Antonioni a été Profession : reporter (1975) qu'il a coécrit avec le théoricien du cinéma Peter Wollen. Dans ce film, le journaliste Jack Nicholson endosse l'identité d'un trafiquant d'armes et l'histoire oscille entre un thriller surréaliste et un examen hypnotique de la fragilité de l'identité humaine.

Les films susmentionnés seront projetés dans le cadre du programme de films d'accompagnement que EYE a élaboré. C'est un complément parfait pour tous ceux qui veulent se plonger complètement dans l'œuvre du maître italien moderne et partager l'aliénation moderne qu'il a su transmettre avec tant de force.

Michelangelo Antonioni - Le maître du cinéma moderne
Du 12 septembre 2015 au 17 janvier 2016 EYE musée du film Amsterdam