Les nénuphars et les glycines de Monet, célèbres dans le monde entier, sont toujours aussi spéciaux.

Les gens pensaient que c'était trois fois rien, mais aujourd'hui les tableaux de nénuphars et de glycines sont les toiles les plus célèbres du peintre français Claude Monet. Nous avons visité ses jardins à Giverny et regardé à travers les yeux du maître pendant un moment.

Tasses et chaussettes

Lorsque vous pensez au peintre Claude Monet, vos premières pensées vont probablement à ses peintures colorées de nénuphars, de glycines, de roses et de ponts verts au bord d'un étang. Comme beaucoup de peintures célèbres de Vincent van Gogh, ces nénuphars ont été peints par Monet. glycines et nymphéas immortalisées sur des tasses, des chaussettes, des parapluies et des crayons. Mais combien de fois peut-on voir ces œuvres de près ?

L'exposition Monet -Les jardins de l'imaginationqui ouvre ses portes au Kunstmuseum Den Haag (le nouveau nom du Gemeentemuseum) le 12 octobre, est la première grande exposition Monet aux Pays-Bas depuis plus de 30 ans. C'est également la première à se concentrer spécifiquement sur les jardins. La peinture Bois bleu de la collection du musée constitue la pièce maîtresse de cette nouvelle exposition et sera présentée avec trois autres bluegens. Parmi les 40 œuvres internationales, beaucoup n'ont jamais été exposées dans notre pays.

Source d'inspiration

Les jardins de fleurs et de nénuphars que le peintre français a aménagés près de sa maison dans le charmant village de Giverny ont été une source d'inspiration inépuisable pour Claude Monet (1840-1926) au cours des dernières décennies de sa vie. En se promenant dans les jardins luxuriants - créés et entretenus par lui-même - on comprend aisément pourquoi. La variété des espèces de fleurs et de plantes, des couleurs et des formes est phénoménale et digne d'un conte de fées.

Innovant

Le premier tableau de Monet représentant un nénuphar date de 1895, mais les grandes versions qui sont exposées au musée de l'Orangerie à Paris n'ont été réalisées qu'après 1914. La mort de sa seconde épouse Alice, le diagnostic de cataracte grise et le décès de son fils aîné Jean - en l'espace de trois ans - l'avaient empêché de peindre pendant quelques années. Son ami intime, l'homme d'État Georges Clémenceau, lui conseille de peindre quelque chose de grand pour surmonter son chagrin. Monet répond à ce conseil. Il construit un atelier généreux et lumineux, où il peint des nénuphars d'un mètre de long.

Ce qui était innovant à l'époque, explique Frouke van Dijke, conservateur au Kunstmuseum Den Haag, c'est qu'il jouait avec la composition. Il était donc difficile de savoir ce que l'on regardait : était-ce le ciel ? Des reflets dans l'eau ? Par le grand format de ses œuvres, il faisait référence aux grandes œuvres décoratives du XIXe siècle. Mais grâce à sa technique, il en a fait une toute nouvelle version".

Staar

Ce n'est pas un hasard si cet hommage est exposé au Kunstmuseum Den Haag. Le lien particulier entre Monet et le musée de La Haye ne date pas d'hier. La grande rétrospective organisée en 1952 au Gemeentemuseum et au Kunsthaus Zürich a permis de revaloriser les peintures de jardin de Monet. Les tableaux de Monet, aujourd'hui mondialement connus glycines et nymphéas étaient en fait totalement ignorées par le public et les critiques d'art de son époque. Cet énorme mélange d'impressions doit être le résultat de la cataracte grise qui a tourmenté les yeux du vieux maître - il ne voyait probablement plus tout cela avec autant de netteté.

Même si Monet a réussi à faire accrocher huit imposantes toiles de nénuphars en permanence au musée de l'Orangerie, ses séries de meules de foin, de la Tamise ou de la cathédrale de Rouen étaient largement plus appréciées. En conséquence, des centaines de peintures de ses jardins sont restées orphelines et négligées dans son atelier après la mort de Monet. Elles auraient été perdues à jamais pendant la Seconde Guerre mondiale, lorsque l'atelier et les toiles ont été gravement endommagés.

Lieu de rêve

Une visite à Giverny permet de comprendre l'importance de cette région pour le peintre français. C'était l'endroit de ses rêves, explique Frouke van Dijke, commissaire de l'exposition, en nous faisant visiter l'ancienne maison de Monet. Il l'a d'abord louée, mais au bout de quelques années, son succès en tant que peintre lui a permis d'acheter la parcelle.

La maison est meublée comme à l'époque où il y vivait : elle est remplie de tableaux réalisés par lui-même ou par des peintres avec lesquels Monet s'était lié d'amitié, tels que Paul Cézanne et Pierre-Auguste Renoir. Monet était un véritable collectionneur", explique M. Van Dijke. Les nombreuses estampes japonaises qui se trouvent dans le couloir, par exemple, ont été une grande source d'inspiration pour Monet, comme pour Van Gogh. Contrairement à Van Gogh, cela ne se voit pas dans le style ou les sujets de Monet, mais plutôt dans l'utilisation des couleurs.

Monet avait le sens de la qualité, mais il n'était pas snob. Lorsqu'il collectionnait, il ne s'intéressait pas à ce qui était exclusif ou cher, mais à ce qui lui plaisait. Il ne voyait pas non plus d'inconvénient à ce que ses propres œuvres soient appliquées sur des tapis, par exemple, ce que beaucoup d'artistes détesteraient sans doute aujourd'hui. Et s'il achetait une œuvre à l'un de ses amis, il lui en payait simplement le juste prix".

Fleurs inutiles

La maison est une Villa Kakelbont, avec des cadres de fenêtres, des portes et une véranda vert Monet, une cuisine bleue et une salle à manger jaune canari - plafond, murs et meubles - qui dégage presque de la lumière. Son amour de la couleur se poursuit à l'extérieur, dans les champs de fleurs luxuriants qu'il a aménagés avec art de ses doigts verts Monet. Des iris, des roses, des lupins et des œillets d'Inde de toutes les couleurs de l'arc-en-ciel se disputent l'attention.

Il apporta des arbustes, des plantes grimpantes et des plantes à fleurs de tous horizons, ainsi que toutes sortes d'espèces "exotiques" avec lesquelles il dérangea les fermiers, craignant qu'elles n'empoisonnent la nappe phréatique. Alors qu'ils se moquaient de lui parce qu'il sacrifiait de précieuses terres agricoles pour des fleurs "inutiles", le passionné Monet acheta un terrain sans sourciller et fit déplacer un ruisseau pour créer le jardin de nénuphars qu'il désirait tant. Il a fait paver le chemin de terre séparant les deux jardins, explique Van Dijke en souriant. Après tout, Monet avait aussi une collection de voitures et aimait rouler vite. C'est lui qui conduisait le plus vite. Comme cela faisait de la poussière sur les fleurs, il a fait asphalter le chemin.

En marge de l'action

La méthode de "matage" de Monet était et est toujours particulière, explique Van Dijke. Les tableaux sont constitués de nombreuses couches différentes superposées, contenant plus ou moins d'huile, car il extrayait l'huile de la peinture pour la rendre mate. Il a peint couche après couche, des couches plus ou moins brillantes et plus ou moins mates les unes sur les autres. Cela crée une profondeur énorme, qu'il utilise pour rendre les reflets dans l'eau. Conscient que la peinture pouvait s'estomper, il utilisait des peintures stables, c'est-à-dire des peintures contenant le bon pigment, de sorte que dans dix ans, l'œuvre aurait encore la couleur qu'il souhaitait lui donner".

Le peintre travaillait sur plusieurs toiles en même temps. Des recherches techniques ont montré que la peinture était toujours complètement sèche lorsqu'il en posait une nouvelle couche. Cela signifie qu'il a travaillé sur chaque toile pendant plusieurs mois, voire plusieurs années.

Van Dijke : "Il peignait toujours par-dessus la couche précédente et grattait des parties de la peinture. Parfois, on voit ce merveilleux barbouillage de peinture à l'huile et les taches sont épaisses, tandis qu'à d'autres endroits, les couches sont si fines qu'on peut voir la toile à travers et la peinture ressemble plus à de la craie, parce qu'elle est si sèche. Il souligne ainsi que la peinture ne se limite pas à la représentation visible, mais que l'œuvre d'art est constituée de peinture. Il jouait donc consciemment avec son matériau, avec le support de la peinture. Toutes ces œuvres étaient des expériences pour finalement arriver à l'ensemble parfait : les huit toiles imposantes que l'on peut encore voir aujourd'hui au musée de l'Orangerie à Paris.

Tendance

Des artistes modernes comme Jackson Pollock et Mark Rothko ont admiré les peintures de Monet précisément parce qu'elles sont à la fois impressionnistes et abstraites. Monet voulait évoquer une expérience physique chez le spectateur, en l'entourant de quelque chose de si monumental et coloré, qui a une profondeur dans laquelle on peut se noyer, pour ainsi dire. L'œuvre de Monet, comme celle de Mondrian par exemple, souffre d'être si souvent représentée sur des boîtes de biscuits ou des affiches. Ces reproductions unidimensionnelles nient précisément cette profondeur et cette stratification, ainsi que la manière dont il utilisait la peinture. Cela n'apparaît pas sur une boîte de biscuits. C'est pourquoi beaucoup de gens pensent que Monet est méchant".

Ce n'est que lorsqu'on se trouve devant une telle toile que l'on ressent l'impact de sa taille et la magie de sa technique, estime M. Van Dijke. Il n'y a rien de méchant là-dedans, parce qu'il n'y a pas de fleurs peintes. C'est quelqu'un qui a travaillé avec la peinture avec une liberté jamais vue auparavant. Il y a beaucoup de mouvement et d'énergie dans son travail, tout en dégageant une grande sérénité.

Que ces toiles aient trouvé leur forme en partie à cause de sa maladie oculaire ou non, la combinaison du figuratif, de l'impressionniste et de l'abstrait en même temps était unique et innovante à l'époque. En fait, elle l'est toujours. En passant devant les nénuphars et les glycines, on regarde un instant à travers ses yeux et on voit ce qu'il a vu : le jeu entre la lumière, l'eau et les reflets de la nature. Et surtout comment il a réussi à le capturer de manière phénoménale.