Jan van de Putte : "Mon travail consiste à conquérir la musique".

Le compositeur néerlandais Jan van de Putte (né en 1959) franchit invariablement les frontières de la musique. Les départs hésitants, le silence, les gestes amples et les explorations de notre subconscient sont aussi naturels dans sa partition que les tonalités retentissantes. L'automne dernier, il a publié son cycle de chansons en quatre parties sur des poèmes de Pessoa, dans lequel il dépeint avec justesse la vie du poète portugais. bégayer.

Sa dernière composition sera entendue le 8 novembre, Cette agitation perpétuelle/cette turbulence sans but (Cette agitation éternelle/cette agitation sans but). Ici aussi, les gestes et les révélations apparemment sans importance semblent être au cœur de la pièce. Il a composé cette œuvre pour le Klangforum Wien, qui la présente en première mondiale au Muziekgebouw aan 't IJ. Il y aura une répétition publique au préalable, de 13h00 à 13h45. Ensuite, je m'entretiendrai avec lui sur le comment et le pourquoi de sa composition. Pour vous donner un avant-goût, je lui ai posé trois questions à l'avance.

Théâtre abstrait

Qu'est-ce qui te caractérise en tant que compositeur ?

Une chose est très importante pour moi : j'essaie de faire de longues lignes avec un développement étiré. Je veux qu'il se passe quelque chose qui fasse passer les gens d'un monde à un autre, tout est lié. La forme est très importante pour cela et il y a une grande imbrication entre la musique et le théâtre. - Je considère d'ailleurs que le théâtre est aussi de la musique. Mes pièces parlent souvent de la même chose : tout le monde fait quelque chose mais ne progresse pas, cela ne sert à rien. Cette futilité est caractéristique de ma musique, mais il y a toujours une tentative sincère et parfois passionnée.

J'utilise les éléments théâtraux de manière abstraite, contrairement à Mauricio Kagel, par exemple. Dans son travail, quelqu'un fait quelque chose de drôle et continue ensuite à faire de la musique. Chez moi, le théâtre vient des actions musicales qui sont exécutées de toute façon, mais qui ne sont pas vécues comme faisant partie de la musique. Il peut s'agir de tourner une page, par exemple. Mon morceau pour violoncelle solo, que j'ai récemment terminé, commence par une marche. Ce n'est qu'au bout de dix minutes que le violoncelliste prend le bâton. S'ensuit une autre longue scène avant qu'il ne prenne enfin le violoncelle et commence réellement à jouer. L'interprète a besoin que ma musique te capture, pour ainsi dire. C'est ainsi que je permets à des choses apparemment très éloignées de fusionner : des actes réguliers perdent leur anonymat et gagnent en signification.

Pantomime et théâtre de marionnettes

De quoi parle ton œuvre et d'où vient le titre ?

Je m'intéresse à la pantomime et aux marionnettes depuis de nombreuses années dans les années 19.^e siècle. J'ai lu cela dans une série de livrets de l'éditeur La Pléiade sur l'histoire du théâtre en France. Dans les années 19^e siècle, la Comédie Française était la seule à disposer de tous les droits de représentation. La pantomime tire son origine des funambules, qui n'avaient le droit de se produire que s'ils n'utilisaient pas de mots. C'est pourquoi il y avait toujours un contrôleur d'État dans le public. Une grande vedette de la pantomime était Jean-Gaspard Deburau. Il a été immortalisé en 1945 sous les traits du Pierrot au masque blanc dans le film Les enfants du paradis.

Plus tard, un danseur a tout de même été autorisé à dire quelque chose, mais il s'agissait manifestement d'une contrebande. Ensuite, quelqu'un prononçait une phrase, quittait la pièce et un autre revenait pour donner la réponse. De cette façon, on obtenait toujours une sorte de dialogue. Debureau a joué un rôle important dans ce développement et tous les écrivains français allaient à son théâtre. C'était une sorte d'idolâtrie du théâtre vulgaire par la classe aristocratique. L'auteur romantique français Théophile Gautier a également écrit à ce sujet ; mon titre est une phrase tirée d'un de ses articles.

Temps d'arrêt rageant

Cette agitation perpétuelle/cette turbulence sans but réfléchit sur le monde d'aujourd'hui, dans lequel tout va beaucoup trop vite. Hartmut Rosa a écrit un livre brillant à ce sujet Beschleunigung (accélération). Nous avions l'habitude d'écrire des lettres de temps en temps, puis le courrier électronique est arrivé et nous avons pensé qu'il nous ferait gagner beaucoup de temps. Mais cela finit par être son contraire, nous sommes ensevelis sous un excès de messages. Cela nous amène à la notion de "stase rageuse" du philosophe français Paul Virilio, dont mon quatuor de hautbois parlait déjà lui aussi.

Comment as-tu organisé le travail ?

Je travaille avec l'accélération et la décélération, même la façon dont les musiciens entrent est prescrite avec précision. Ils entrent sur scène à la pulsation du métronome numéro 135, juste un peu trop vite. Puis ils ralentissent jusqu'à atteindre un rythme de marche normal. En tant que spectateur, tu sens qu'il se passe quelque chose d'étrange, mais tu ne sais pas exactement quoi. Le salut prend également un peu trop de temps, après quoi ils marchent jusqu'à leur place et le rythme ralentit encore plus. Cela préfigure la fin, dans laquelle tout se passe au ralenti et devient une sorte de poésie visuelle.

Alors que tout le monde est assis, prêt à accueillir le chef d'orchestre, le hautboïste et le flûtiste discutent à voix basse d'une femme mariée séduite par un joli garçon. Et comme c'est scandaleux, nous sommes en 19...^e théâtre de marionnettes du siècle pour un public simple et adulte. Elles sont jalouses les unes des autres et se lancent dans d'énormes disputes, mais tu l'entends à peine. Lorsque les dames cessent de parler, la contrebasse lève les yeux, le guitariste suit son regard pour voir ce qui s'y passe et ce n'est qu'à ce moment-là qu'ils commencent à jouer. Cela aussi préfigure le final.

Accélération et décélération

Tout va super vite, il y a une agitation constante. Cela se manifeste de plusieurs façons. Les mélodies, par exemple, sautent tous les 16^e d'un instrument à l'autre, se déplaçant rapidement dans l'ensemble. Ils répètent tout, mais plus vite. Puis, dans l'ordre inverse, ils recommencent encore plus vite. Jusqu'à ce qu'ils se mettent soudain à faire quelque chose de complètement différent, c'est une mêlée nerveuse.

Vers la fin, un énorme retard se produit alors qu'une double croche continue de s'ajouter. Cela continue jusqu'à ce qu'ils arrêtent de jouer et passent au mouvement. Celui-ci devient de plus en plus lent, de sorte que tu vois un ensemble au ralenti. Ils ne produisent pratiquement aucun son, à l'exception d'un seul instrument. Les musiciens lèvent les yeux vers une note très aiguë qui résonne là-bas. Lorsque celle-ci commence à bouger, ils suivent le mouvement de haut en bas avec leurs regards, la création musicale ayant complètement disparu. Tout s'est transformé en poésie, en feuille qui tourne, en regard. À partir du regard, ils commencent à chanter, puis la musique reprend. C'est là que commence la deuxième partie, que j'écrirai plus loin.

Jeudi 8 novembre 2018 Muziekgebouw aan 't IJ : Klangforum Wien / Beat Furrer
Musique de Beat FurrerLes autres artistes sont Rebecca Saunders et Jan van de Putte. Plus d'infos et de billets pour le concert ici.
Tickets pour la répétition publique gratuite ici.
Le concert sera répété le vendredi 9 novembre à November Music, dans les locaux de l'association. Verkadefabriek.