Shakespeare vit et vient d'Utrecht

Moins le théâtre est réel, mieux il fonctionne. Cette idée m'est apparue à nouveau ce week-end, au Stadsschouwburg d'Utrecht. Deux fois, en fait. Vendredi avec la reprise de Twelfth Night d'Aluin, samedi avec Koning Krump, le chef-d'œuvre de Het Nut. Deux groupes d'Utrecht, jadis issus de la même école de théâtre, et abreuvés dans le même bar à théâtre, où votre serviteur a vidé son portefeuille dans les années quatre-vingt-dix. Je ne suis donc pas tout à fait objectif.

Shakespeare a été le facteur de liaison entre The Utility et Alum ce week-end. Twelfth Night est une version de la comédie la plus brillante de Shakespeare racontée par Ayden Carlo et dans King Krump, l'auteur Jibbe Willems s'attaque à la valeur d'éternité qui s'attache si naturellement au barde quadricentenaire de Stratford-upon-Avon. 

Malmené

Bien entendu, nous ne saurons pas si Willems y parviendra avant quatre cents ans. Son œuvre, comme celle de Shakespeare, devra d'abord être vilipendée, oubliée, ressuscitée, adaptée à l'époque, redécouverte et retraduite d'ici là. Et même à ce moment-là. Peut-être aura-t-il alors besoin d'un ancien élève. Ou d'Ayden Carlo. 

Une comédie comme Tweltfth Night n'a jamais été conçue pour l'éternité. Elle n'a été jouée qu'une seule fois, lors d'un dîner dans une école de droit londonienne (Middle Temple), et n'est pratiquement jamais jouée aux Pays-Bas. Cela est concevable si l'on considère la pièce dans sa version aseptisée du dix-neuvième siècle. Il s'agit d'une version qui met principalement l'accent sur le caractère o-la-la de la pièce, dans un cadre carnavalesque. 

Ayden Carlo a pris sur lui de donner à la pièce une tournure queer, et certains ont pensé que cela signifiait une grande adaptation aux nouveaux yakkes-woke et guttegut-what-not. Il y en a qui en ont des boutons, mais la représentation ne fait que mettre en évidence ce que Twelfth Night a toujours été depuis 1600. Je connais le texte original sur le bout des doigts, et c'était un plaisir de voir et d'entendre comment les blagues vieilles de plus de 400 ans ont une fois de plus fait mouche auprès d'un public jeune et contemporain.

Délibérément diffus

La Nuit des Rois, intitulé à l'origine La Nuit des Douze, mieux connue ici sous le titre erroné de "Nuit de l'Épiphanie", est la pièce dans laquelle Shakespeare a porté la règle britannique selon laquelle les rôles des femmes devaient être joués par des hommes, à un niveau supérieur à celui des hommes. sujet de l'histoire réalisée. La nuit brouille le regard et aiguise les sens. Une jeune fille (jouée par un homme) se déguise en homme et, dans ce rôle, se met au service d'un duc en tant que messagère de l'amour entre lui et Olivia, qui est en deuil. Les deux nobles tombent éperdument amoureux du garçon et ne veulent pas le partager. 

Le public voit toujours le rôle et non l'acteur, mais dans cette pièce, l'auteur joue avec cette convention. La pièce gagne en puissance lorsqu'elle reste floue quant à l'identité réelle des personnages. Le texte thématise cela, et c'est ce qui rend cette comédie différente de toutes les autres pièces anglaises de l'époque, dans lesquelles il était tout à fait normal que les rôles féminins soient joués par des acteurs. Après tout, au théâtre, le public ne voit que le rôle et ne se soucie pas de ce qui se cache entre les jambes de l'interprète. Dans Twelfth Night, les acteurs jouent avec leurs rôles. Il s'agit d'une innovation vieille de quatre cents ans, qui constitue la première référence à l'érotisme différencié selon le sexe dans le théâtre occidental moderne. (Source)

Bref, pour faire court, Ayden Carlo, le reteacher, a vu cette imprécision délibérée et lui a donné toute la place qu'elle méritait. Ce qui est homme, femme ou quoi que ce soit d'autre, le reteacher l'a délicatement balancé. La metteuse en scène Victorine Plante a trouvé une distribution tout aussi diversifiée, qui a fait renaître Shakespeare, jusqu'aux chansons historiques interprétées avec une nouvelle instrumentation. Les comédies de Shakespeare étaient du théâtre musical, et c'est ce qu'en fait la compagnie Alum, basée à Utrecht. Il s'agit davantage d'Orkater que de Stage Entertainment, ce qui est également exact d'un point de vue historique. 

L'arrogance

Le barde anglais n'a pas écrit pour l'éternité. Rien de si éphémère que le théâtre, après tout. Il est particulièrement heureux que nous connaissions encore son œuvre. Que Jibbe Willems, écrivain au moins aussi productif que son exemple historique, poursuive l'éternité avec le roi Krump, pourrait donc être qualifié d'outrecuidant, voire d'orgueilleux. En demandant aux dieux, peut-être. 

Comme nous ne pouvons pas nous projeter dans quatre cents ans, nous pouvons d'ores et déjà accorder un statut monumental à la pièce dont la première a eu lieu le 5 octobre 2024. Le texte, qui raconte l'ascension du roi Krump sur le trône de Camerica grâce à des pouvoirs diaboliques en la personne d'un certain "Annon", au détriment d'une certaine Billary, et son renversement par sa femme Kelania, est truffé d'"œufs de Pâques", c'est-à-dire de références plus ou moins cachées à des événements politiques d'actualité. Il ne s'agit pas d'une satire directe de l'Amérique d'aujourd'hui, mais vous pouvez l'apprécier en tant que commentaire ingrat et parfois plutôt décourageant sur la montée du populisme. Et certaines de ces références sont effrayantes précis. Dans notre podcast porte également sur ce sujet.

Culture d'entreprise

Avec ce spectacle, le metteur en scène Greg Nottrot fait ses premiers pas sur les grandes scènes des Pays-Bas. L'homme qui a grandi avec des représentations informelles où l'on pouvait manger et surtout boire beaucoup, troque donc cette version moderne du "Temple du Milieu" de Shakespeare pour la culture d'entreprise coûteuse des théâtres des grandes villes. Cela complique les choses. Dans un théâtre, en tant que créateur, vous êtes un invité, alors que dans votre propre lieu, vous pouvez tout plier à votre volonté.

La première n'a pas eu la décontraction typique de Het Nut. La distribution, impressionnante, s'en donne à cœur joie et, malgré une mise en scène quelque peu statique, à la manière d'un jeu d'échecs, la pièce reste effervescente. Cela est dû à la langue de Jibbe Willems, qui joue Shakespeare avec enthousiasme, ainsi qu'à l'enthousiasme de Nottrot en tant que metteur en scène. L'ensemble de la troupe est de bonne humeur, ce qui se répercute sur le public.

Son point fort est la musique. Très shakespearienne aussi : la comédie musicale telle que Shakespeare l'a établie en Grande-Bretagne n'est pas née de l'opérette, comme les comédies musicales d'aujourd'hui. Dans les comédies de Shakespeare, la musique et le chant étaient un intermède nécessaire et porteur de sens, un peu à l'écart de la narration. C'est ce qu'Alum a montré dans Twelfth Night, et c'est ainsi que The Utility applique la musique aujourd'hui. Deux musiciens se tiennent à l'écart, faisant office d'éboueur, de chœur grec classique et de narrateur. Ils remplissent la bande sonore, d'abord avec des sons hillbilly entraînants, puis, au fur et à mesure que la pièce progresse, avec du métal gothique de plus en plus sombre. Ça swingue, c'est fort, ça submerge, ça vous entraîne. 

Tissu rouge

Le fait que ce spectacle abandonne également le réalisme est un atout supplémentaire. Les mètres de tissu rouge arrachés aux pantalons et aux vestes sont au moins aussi horribles, sinon plus, que le véritable sang de porc qui coule depuis 25 ans dans une entreprise de premier plan comme l'ITA. 

Car c'est ainsi que ce théâtre marque des points, tout comme il y a 400 ans : quelle que soit la grandeur de l'œuvre, le plus grand drame se déroule en fin de compte dans l'esprit du spectateur. Il n'a pas besoin de réalisme. En effet, le réalisme visuel brise le drame. C'est le moment d'enseignement classique de ce week-end à Utrecht. Shakespeare est vivant, car le théâtre est intemporel.