Alchimie sonoreC'est le nom du gros volume récemment publié par le publicitaire musical Maarten Brandt (1953). Il compte 715 pages, y compris des illustrations et un index très complet. Dans 98 articles, Brandt déploie son point de vue sur la musique et la programmation musicale. Il a dédié ce livre magnifiquement conçu à Marius Flothuis, qu'il admirait et qui a été programmateur de l'Orchestre du Concertgebouw pendant de nombreuses années. Ses héritiers ont reçu un premier exemplaire lors de la présentation au NTRZaterdagMatinee le 6 octobre.
Kees Vlaardingerbroek, directeur artistique de cette série d'émissions, a écrit l'avant-propos délirant. Il loue le "sens infaillible de la qualité" de Brandt et sa "capacité à en parler et à écrire de manière extrêmement expressive". En effet, pour Brandt, la musique semble être sa raison d'être, sur laquelle il exprime son opinion sans fard, sollicitée ou non. Il a conseillé des chefs d'orchestre et des orchestres de renom et a publié l'ouvrage acclamé Routes vers Boulez, un recueil de conversations avec Pierre Boulez. Je lui ai posé neuf questions sur L'alchimie du son.
Pourquoi le titre "Sound Alchemy" ?
L'alchimie est traditionnellement une direction spirituelle qui tire son imagerie de la chimie, mais dont cette même imagerie a un sens strictement métaphorique. L'un de ses principes est la conversion ou la transformation des métaux de base en métaux précieux. Du métal le plus bas - le plomb - au plus haut : l'or. Ces métaux représentent des étapes de la conscience. En fait, ils incarnent un processus de développement qui va d'une situation de crise, en passant par la catharsis (purification), jusqu'à une compréhension ou une illumination plus profonde et plus élevée.
Éclairage
Ce processus de développement s'applique à tout grand art, qu'il s'agisse de musique, de littérature ou d'art visuel. Selon moi, l'illumination est quelque chose de transcendant, car elle met l'homme en contact avec quelque chose qui était auparavant au-delà de sa conscience.
Or, pour me limiter aux pièces musicales, toutes ces œuvres de l'histoire de la musique qui comptent vraiment, indifféremment composées par Monteverdi, Bach, Mozart, Beethoven Debussy, Boulez, Carter, Stockhausen ou qui que ce soit d'autre, emmènent ceux qui s'y ouvrent sur un plan supérieur. D'où le titre Alchimie sonore
Dans de nombreux articles, tu t'agites contre la programmation habituelle des orchestres symphoniques et des séries de concerts. Qu'est-ce qui ne va pas, selon toi ?
En fait, à quelques exceptions près, tout. De nos jours, les programmes grand public ont tendance à s'intéresser de moins en moins aux combinaisons de morceaux, mais aux morceaux eux-mêmes. Ce sont ces différentes combinaisons qui déterminent la valeur ajoutée d'un programme. Comme le disait très justement l'ancien directeur artistique du Residentie Orkest, le regretté Piet Veenstra : "Si un programme se compose de trois œuvres présentées dans le bon ordre, le programme dans son ensemble est en fait la quatrième pièce."
Pollinisation croisée
La confrontation fascinante de compositions connues et inconnues de différentes époques crée des croisements surprenants, révélant des secrets qui, dans d'autres circonstances, ne seraient jamais dévoilés. Ici s'applique le vieil adage selon lequel le tout est plus que la somme des parties. De nombreux chefs d'orchestre et programmateurs pensent qu'il suffit d'interpréter, disons, trois chefs-d'œuvre sans se soucier de l'ordre dans lequel ils sont joués.
Je me souviens d'un concert au cours duquel un chef d'orchestre mondialement connu et son orchestre ont joué successivement les œuvres de Debussy. La MerLa deuxième suite de Ravel Daphnis et Chloé et de Stravinsky Le sacre du printemps interprété. Eh bien, cela n'a pas fonctionné du tout. Pourquoi ? Parce que les pièces en question avaient le même "poids spécifique" et s'annulaient en termes de tension.
Hommage à Marius Flothuis
Tu as dédié ton livre à Marius Flothuis. Pourquoi lui ?
Marius Flothuis était un homme très polyvalent. Compositeur, musicologue et également professeur à l'Institut de musicologie de l'Université d'Utrecht. Et - ce qui est le plus important pour moi - l'un des meilleurs directeurs artistiques de tous les temps. C'était un véritable dramaturge, avec une haute conception du métier. Quelqu'un qui poursuivait une programmation intégrale et multicolore que l'on ne trouve plus aujourd'hui qu'au NTR Saturday Matinee.
Par le spectacle, mais aussi par les déclarations faites ensuite (et en fait jusqu'à aujourd'hui) par les "casse-noisettes" (avec des Reinbert de Leeuw preop), son héritage a été noyé dans la neige et une génération grandit aujourd'hui sans avoir la moindre idée de l'importance de Flothuis. Il a fait en sorte que Hans Rosbaud dirige des concerts inoubliables avec de la musique allant de Beethoven à Boulez dès le début des années 1960, tout comme Ernest Bour par la suite. Il a également réussi à obtenir de Haitink qu'il interprète un répertoire d'une ampleur sans précédent, avec une part énorme de musique néerlandaise.
Flothuis a également fait venir le jeune Pierre Boulez aux Pays-Bas, à l'instigation de Rosbaud. À l'époque, Boulez s'était déjà fait un nom en tant que compositeur et iconoclaste, mais pratiquement jamais en tant que chef d'orchestre. Sous la direction de Rosbaud, l'Orchestre du Concertgebouw a également joué sa musique dans notre pays pour la première fois, sous la forme de deux mouvements de Pli selon pli.
La programmation de Flothuis répugnait à toute segmentation indifférente et se caractérisait par un mélange homogène de tous les genres, domaines stylistiques, siècles et types de musique. Une chose qui est presque totalement impensable aujourd'hui, à l'exception de la matinée du samedi.
Segmentation
Selon toi, la pratique d'exécution de la musique symphonique est sous pression. À quoi attribues-tu cette situation et vois-tu une solution ?
D'abord et avant tout, bien sûr, aux circonstances politiques, même s'il est injuste d'imputer cette situation à ce seul facteur. Les orchestres symphoniques en général, à quelques exceptions près, se sont trop longtemps désintéressés de leur légitimité artistique. Qui plus est, ils ont laissé les innovations - nécessaires en soi - dans le domaine de l'historicisation de la pratique d'exécution et de la culture d'ensemble leur couper trop l'herbe sous le pied.
Encore une fois, ces innovations étaient nécessaires en soi, mais en même temps, cela a conduit à une segmentation des domaines du répertoire et donc à de nombreux sous-publics : un pour la musique ancienne, un autre pour la musique classique et encore un autre pour la musique contemporaine. Comme s'il s'agissait de mondes distincts ! Rien n'est plus faux. La tradition est un développement constant au sein duquel tout est lié à tout le reste. C'est pourquoi il est fondamentalement faux d'entendre uniquement Beethoven, Kurtág, Mozart, Andriessen ou Mahler au cours d'une même soirée.
Ce qui me ramène aux combinaisons susmentionnées. Car de quoi s'agit-il ? Par le Sacre L'œuvre de Beethoven est-elle Septième symphonie devient un autre morceau, de Schoenberg Erwartung nous écoutons d'une oreille nouvelle l'œuvre de Bruckner Neuvièmepar Hartmanns Sixième et Septième symphonie Bach's Troisième concerto brandebourgeois soudain un autre morceau, et ainsi de suite. Cette prise de conscience doit revenir dans les directions artistiques de nos orchestres symphoniques si l'on ne veut pas que le secteur symphonique tombe dans une construction de maison de la mort. - Ce dont nous ne sommes déjà plus très loin.
Le fondamentalisme néolibéral
Plus que jamais, nous sommes la proie du fondamentalisme néolibéral, dont l'ancien secrétaire d'État Halbe Zijlstra est l'ultime représentant. Il adhérait au dogme selon lequel la demande devait être entièrement déterminante et que, par conséquent, seule la demande devait être satisfaite. Alors que l'art, en l'occurrence la musique classique, au sens le plus large du terme, est précisément là pour inciter les gens à se poser des questions.
Des questions intrinsèquement ancrées dans les grands problèmes existentiels de notre existence et ce bien au-delà des délires du jour. À cet égard, le grand art et donc la musique touchent au transcendant, au religieux (ce dernier ne devant pas être entendu au sens religieux limité mais au sens le plus large du terme, donc en termes de "religare", de rattachement). Ce n'est donc pas pour rien que, dans l'épilogue de mon livre, je parle du dramaturge idéal comme d'une sorte de soignant pastoral.
La musique classique en général semble en fait être florissante, étant donné les nombreux nouveaux festivals et séries de concerts. Et un programme télévisé comme Podium Witteman est extrêmement populaire.
Qu'est-ce que l'épanouissement ? Oui, les œuvres célèbres sont à l'honneur, mais à travers une présentation que l'on peut à juste titre qualifier de populiste. Je me souviens comme si c'était hier d'une interview de Witteman avec Ed Spanjaard à propos de Boulez. Dans l'interview précédente, il avait fait l'éloge de Chostakovitch parce que, contrairement à Boulez, il écrivait de la musique facile à écouter.
La musique classique comme divertissement
Ce ton, cette tendresse, cette hostilité absolue à l'égard de quoi que ce soit appelle l'auditeur à faire un effort ! Je déteste cela. C'est une tendance qui va si loin que même les émissions de musique classique ne sont guère plus qu'un simple divertissement.
En disant cela, je n'insinue nullement que ce ne serait pas une bonne chose de rendre accessibles des sujets difficiles comme Boulez, Andriessen, Schoenberg, Lutoslawski et j'en passe, mais c'est différent de rendre le sujet suspect pour ne pas dire ridicule. Ce qu'il faut plutôt, et cela manque sérieusement, c'est mettre l'auditeur au défi de s'ouvrir à ce qui est plus éloigné de son esprit. Sachant que faire l'effort de le faire rend la vie plus riche, plus profonde et plus significative. Ce dernier point est plus que jamais à rechercher dans notre pays.
Ce n'est pas comme avant. Je pense ici à l'émission de radio de Ton Hartsuiker. Musica Nova et l'émission de télévision Voyageur en musique. Sans oublier, l'une des rares exceptions d'aujourd'hui, les interviews que tu réalises toi-même, Thea. L'une des rares autres bonnes exceptions est la série de concerts du vendredi soir à TivoliVredenburg, caractérisée par une programmation à la fois accessible et surprenante. Avec - c'est très important - un accent sur la musique néerlandaise, qui brille par son absence dans la plupart des orchestres. J'ai déjà mentionné la matinée du samedi.
La musique néerlandaise mal aimée
Comment expliques-tu ce petit amour pour la musique néerlandaise ? N'est-ce peut-être pas simplement dû à sa qualité ?
Je n'ai pas d'explication à cela, sinon celle de l'attitude d'un petit pays qui croit qu'au-delà de la clôture, l'herbe est forcément plus verte et que ce qui vient de loin est toujours plus savoureux. À mon humble avis, en moyenne, nous ne composons certainement pas moins bien qu'ailleurs et avec cette opinion, je suis en bonne compagnie. Lis mon interview d'Ernest Bour dans le livre. Ce n'était pas une petite autorité et aussi un homme avec une connaissance gigantesque du répertoire, qui d'ailleurs classait Matthijs Vermeulen parmi les plus grands symphonistes du 20ème siècle.e siècle compté.
D'ailleurs, c'est encore Marius Flothuis qui, chaque fois qu'il allait déjeuner avec un chef d'orchestre étranger, lui donnait invariablement des partitions néerlandaises en lui demandant de bien les regarder. De nombreux chefs d'orchestre étrangers ont ainsi interprété de la musique néerlandaise avec l'Orchestre royal du Concertgebouw : Rosbaud, Boulez, Jochum, Kondrashin, Chailly et même Jansons (même si le succès n'a pas été retentissant).
La musique néerlandaise a-t-elle une stature internationale ? Je dirais que oui, même si les opinions divergent à ce sujet. Certainement Alphons Diepenbrock, Willem Pijper, Matthijs Vermeulen. Ou encore Jan van Vlijmen, très injustement calomnié : son Quaterni-cycle - la plus grande musique orchestrale néerlandaise depuis Vermeulen - mérite sans aucun doute une attention internationale ! Je pense aussi à Tristan Keuris (souvent interprété par Porcelijn bien au-delà de nos frontières) et à (Louis) Andriessen. Sans oublier Ton de Leeuw et Otto Ketting. Kettings La machine à remonter le temps a connu un nombre record de représentations internationales à l'époque, mais aujourd'hui, plus aucune de ses notes n'est jouée.
Chostakovitch : joué à mort
À propos de Chostakovitch, tu qualifies notamment sa "Septième symphonie" de tête vide. Pourquoi ?
Le goût n'existe pas et donc, en ce qui me concerne, on peut toujours discuter. Chostakovitch est l'un des compositeurs les plus meurtriers d'aujourd'hui. Son œuvre est utilisée avec gratitude par les orchestres du pays et de l'étranger comme un alibi pour ne pas avoir à interpréter de la musique véritablement novatrice du XXe siècle.
Le Septième symphonie est en effet le summum de l'absurdité. La première partie est une imitation de mauvais goût de l'œuvre de Ravel. Boléro et les autres parties ne lui sont pas vraiment inférieures en termes d'inanité. Je suis d'accord avec Boulez : Chostakovitch est un "mauvais Tchaïkovski". Certains voient en Chostakovitch un successeur de Mahler. Mais c'est plus froid, car il en est loin. Pour une note de l'œuvre de Mahler Neuvième sans la moindre hésitation, j'offre en cadeau l'œuvre complète de Chostakovitch.
Peu de femmes compositrices
Chostakovitch était affilié à Gubaidulina et Ustvolskaya. Ce sont les seules dames compositrices mentionnées dans ton livre, chacune avec une seule pièce. Quelle en est la raison ?
Aucune. Il se trouve que j'ai peu écrit sur les femmes compositeurs, mais que j'admire beaucoup certaines d'entre elles. Il s'agit certainement de Sofia Gubaidoelina et plus encore de Kaija Saariaho, que je considère comme l'une des plus grandes compositrices actuelles. Prends seul Orion (2002), une œuvre orchestrale qui n'a rien à envier aux meilleures œuvres d'Henri Dutilleux et de Witold Lutoslawski, tant sur le plan du contenu que de l'instrumentation.
Par contre, je pense qu'Ustvolskaya est la chose la plus terrible que j'ai entendue dans ma vie, mais cela n'a aucun rapport avec le fait qu'elle soit une femme. Je n'ai jamais compris le battage médiatique à l'époque, ou alors ça doit être la sensation autour de sa personne. D'ailleurs, en parlant d'homme ou de femme, cette discussion a aussi de plus en plus lieu dans le monde de la direction d'orchestre. À mon avis, elle est plutôt inutile. Il ne s'agit finalement que d'une seule chose, à savoir si un compositeur ou un chef d'orchestre est talentueux.
Mozart, Webern et Carter en concert d'abonnement
Le CD d'accompagnement contient l'enregistrement d'un concert donné en 1970 par l'Orchestre du Concertgebouw. La "Gran Partita" de Mozart y côtoie les "Variations orchestrales" de Webern et le "Concerto pour piano" d'Elliott Carter. Pour toi, quel est le génie de cette combinaison ?
Le génie, tout d'abord, c'est qu'il s'agissait d'un concert d'abonnement "ordinaire" et donc pas d'une série dédiée à la musique contemporaine. De plus, l'orchestre a donné de la musique d'ensemble dans le cadre de ce programme particulier. Non seulement sous la forme du Gran Partita avant la rupture, mais aussi dans celles de la Variations orchestrales de Webern - dans lequel l'orchestre symphonique fonctionne presque du début à la fin comme un ensemble de grande envergure.
Chez Carters Concerto pour piano De plus, en plus du soliste, il y a un orchestre symphonique et un concertino (ensemble) d'instruments solistes. Ainsi, l'orchestre symphonique est à la fois une source de gigantesques explosions de tutti et d'exercices plutôt de type ensemble. Si la critique des "Casse-noisettes" a pu être contournée, c'est grâce à ce programme par excellence.
Maarten Brandt : L'alchimie du son
1ère édition, octobre 2018
Éditeur Nouvelle impression ISBN 9789492020260
Couverture rigide, 715 pages, illustrées, avec index.
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