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6 propositions pour l'innovation culturelle

Ceci est une prépublication du livre L'art de la différence, disponible à partir du 17 janvier 2023 via . site de l'auteur

Séminaire d'annonce et boissons de réseautage 17 janvier

Le secteur artistique est vulnérable, comme l'ont indéniablement montré les années de pandémie. Il est également clair qu'il ne s'agit pas de simples revers temporaires, mais de problèmes de nature structurelle. Ceux-ci étaient déjà en jeu avant Corona, mais ont été repoussés ou n'ont pas été abordés de manière structurelle. En 2018 déjà, le Bureau de planification sociale et culturelle a constaté que le secteur culturel est "apparemment en bonne santé". iL'écosystème culturel ne fonctionne plus correctement. Ses fondations ont été érodées depuis les sévères coupes budgétaires opérées à partir de 2011. Des appels de plus en plus forts en faveur d'un changement structurel plutôt que d'une restauration de l'ancien système se font également entendre dans le secteur artistique lui-même.

C'est le moment de passer au crible les goulets d'étranglement systémiques. Les problèmes les plus importants et les plus urgents sont les suivants.

La base du système culturel est menacée : l'éducation culturelle au sens large, essentielle pour atteindre de nouveaux publics, a été supprimée.

Et les artistes et les créateurs, pourvoyeurs de contenu pour les musées et les salles de spectacle, sont souvent les moins bien payés et mènent une vie précaire. La productivité, la quantité et la croissance menaient à Corona. Il en a résulté une "flexibilisation" poussée du travail, à la suite de laquelle deux tiers des travailleurs culturels sont des freelances. Cela rend le système vulnérable et entraîne souvent une sous-rémunération.

En tant que principal bailleur de fonds, le gouvernement peut imposer de plus en plus d'exigences aux subventionneurs, ce qui entraîne une bureaucratisation où le contrôle et la responsabilité dominent de plus en plus. L'argent est au centre de la politique plutôt que le contenu, l'art lui-même.
Les institutions sont au cœur de la politique culturelle, ce qui entraîne une surinstitutionnalisation et une offre excédentaire. La manière dont le gouvernement accorde des subventions entraîne une concurrence mutuelle entre les organisations artistiques. Il en résulte un déséquilibre entre les grandes et les petites organisations, entre la Randstad et les régions.

Et l'innovation, si essentielle à l'art, a de plus en plus lieu en dehors des institutions artistiques traditionnelles, dans les incubateurs, les collectifs d'artistes et en ligne. Cependant, la politique culturelle continue de se concentrer sur les institutions artistiques classiques.

Le marché comme modèle

En examinant les problèmes exposés, une question se pose : comment en est-on arrivé là ? Il s'agit d'un processus de plusieurs décennies qui s'est accéléré au cours de la dernière décennie. Depuis le début des années 1990, plusieurs cabinets successifs ont mené une politique culturelle principalement axée sur l'entrepreneuriat culturel, dans le but de rendre le secteur moins dépendant des subventions et plus "autosuffisant".

L'idée était d'introduire, main dans la main avec les mesures d'austérité, un modèle de financement différent pour les arts et la culture, un modèle dans lequel l'entreprise donnerait l'exemple du secteur artistique en tant que forme d'organisation efficace.

Les musées et les salles de spectacles, les orchestres et les compagnies ont certainement fait preuve d'esprit d'entreprise après les sévères coupes budgétaires du gouvernement qui ont souvent été imitées par les municipalités. Depuis 2005, les recettes propres sont passées en moyenne d'un tiers à plus de la moitié du budget total. Le respect des normes quantitatives a un prix : une productivité plus élevée signifie des coûts plus élevés. Et ces coûts ont été répercutés sur le personnel sous-payé, avec peu ou pas de sécurité de l'emploi. Jan Zoet, ancien président de l'organisation de lobbying Kunsten '92, déclare : "Vous ne devriez vraiment plus vouloir autant de travail flexible, avec toute l'incertitude et la perte d'expertise que cela implique.

Bureaucratie et contrôle

La plupart des institutions artistiques grand public sont au moins à moitié subventionnées par des fonds publics. Les gouvernements le font avec de l'argent public et posent donc des exigences à ce soutien sur la base de critères de sélection. C'est trop compréhensible et logique, mais les problèmes surgissent lorsque la responsabilité et le contrôle bureaucratique prennent le dessus. Ce processus se déroule également au sein du secteur lui-même.

Des chefs d'entreprise et des managers ont été recrutés pour faire face à l'énorme pression administrative. Le même problème se pose dans d'autres secteurs à but non lucratif où l'argent public prédomine : les soins de santé et l'éducation.

Ces dernières années, une ligne directrice pour une rémunération dite équitable a été formulée spécialement pour les artistes, mais elle n'est liée qu'aux subventions et n'est guère contrôlée. Le coprésident Bartelse de Kunsten 92 soupire : "Cela fait des années que nous parlons de pratiques et de salaires équitables. Cela pourrait aller plus vite. Chaque discipline artistique devrait avoir des lignes directrices pour les honoraires des travailleurs flexibles. Et un filet de sécurité financière pour les calamités, comme maintenant.'

En outre, la rémunération équitable n'est rien de plus qu'une correction - partielle - d'un système qui s'est déséquilibré, mais pas une transformation fondamentale du système de rémunération : un artiste gagnera toujours beaucoup moins qu'un manager ou un directeur. Car si les artistes s'équilibrent au niveau - ou en dessous - du seuil de subsistance, le secteur culturel compte également une couche supérieure de hauts revenus. Ces échelles de salaires sont un effet secondaire de l'"entrepreneuriat culturel" : certains directeurs s'appellent désormais PDG et leur rémunération est déterminée par un groupe surreprésenté au sein des conseils de surveillance des organisations artistiques : des hommes issus des secteurs des affaires, de la finance et du droit, qui gagnent eux-mêmes beaucoup d'argent. L'ancien directeur de Concordia à Enschede, Zwart, a qualifié les salaires les plus élevés du secteur de "scandaleux et de mépris pour tous les travailleurs indépendants et les créateurs" dans Culture Press. Ensuite, les gens disent : ce sont des "salaires conformes au marché". Si c'est ce que tu veux, va travailler dans le monde des affaires. Les conseils d'administration des organisations artistiques devraient surtout être axés sur le contenu.

Dans la musique classique, les chefs d'orchestre et les solistes "de haut niveau" gagnent des salaires mirobolants, nettement supérieurs à la norme Balkenende (216 000 euros bruts en 2022) qui est principalement payée par l'argent des subventions. Le site d'actualités Culture Press a établi un graphique des salaires des responsables artistiques en 2020 qui sont (largement) supérieurs à la norme et s'est interrogé pendant la pandémie :

Les directions font-elles elles-mêmes le geste, en solidarité avec tous les employés et artistes au chômage ou sous-employés, d'accepter une réduction de salaire ? Il est remarquable que l'initiative propre ne soit pas encore présente dans le secteur culturel. Nous l'exigeons des autres, des chefs d'entreprise, mais pas de "nous-mêmes". ii

La question est la suivante : pourquoi le secteur culturel trouve-t-il acceptable de sous-payer des personnes qualifiées qui sont indispensables ? Cela confirme le préjugé de certaines parties de la société selon lequel l'art est davantage un hobby qu'une profession nécessitant une formation et des compétences professionnelles.

Pendant la pandémie, cette inégalité s'est encore accrue. Le syndicat des arts a calculé que 88% de l'aide corona sont allés aux institutions culturelles, et seulement 12% aux créateurs et aux indépendants, qui font la plus grande partie du travail dans le secteur. Le syndicat a montré que les zzp-ers avaient subi environ 1,6 milliard d'euros de dommages jusqu'à l'été 2022, et a annoncé à l'automne de la même année, aller en justice pour leur demander réparation, l'État rejetant toute responsabilité.iii Fait remarquable, ces petits indépendants étaient considérés comme des entrepreneurs par l'administration fiscale, mais n'étaient pas autorisés à demander une aide à l'entrepreneuriat.

L'art dans l'arène politique

Parallèlement, les questions politico-sociales imprègnent le monde de l'art et rendent visible le fait que ces questions sont également en jeu au sein du secteur. Par exemple, plus de la moitié des travailleurs culturels sont des femmes, mais malgré cela, les femmes sont encore sous-représentées dans les postes de direction. Le travail des femmes artistes est beaucoup moins visible et elles ont moins accès aux sources de financement, bien qu'elles rattrapent leur retard. Et les comportements transgressifs semblent être particulièrement fréquents dans le secteur culturel.

qui se considère comme un sanctuaire où les bonnes manières sont la règle. Il en résulte un climat où les abus et les comportements indésirables ont longtemps été rejetés. Ce n'est que récemment, sous l'influence de la -Le mouvement est en train de basculer. Aux Pays-Bas aussi, le mouvement lancé dans le monde du cinéma américain a fait de nombreuses victimes, notamment au sein de l'Orchestre du Concertgebouw, de la Rijksakademie et de la troupe de théâtre Oostpool.

La structure organisationnelle souvent hiérarchique qui prévaut de plus en plus dans les organisations artistiques y contribue également. Il est décevant de constater que les arts ne sont pas toujours en mesure d'offrir une sécurité suffisante aux femmes et aux jeunes employés en particulier. Les stagiaires et les débutants sur le marché du travail sont particulièrement vulnérables car ils dépendent de la bonne volonté d'un directeur, d'un metteur en scène, d'un chef d'orchestre ou d'un producteur de télévision. Et les nombreux freelances n'ont pas de position officielle et peuvent être manipulés pour obtenir ou conserver des missions.

En partie grâce au mouvement Black Lives Matter, on s'intéresse davantage au racisme institutionnel, dont le gouvernement lui-même est également coupable, entre autres, dans l'affaire dite des allocations. Dans le monde de l'art, ce mouvement d'émancipation suscite la solidarité, mais révèle en même temps un problème au sein même des organisations artistiques : le personnel, comme les visiteurs, est majoritairement très instruit et blanc. L'élargissement et le nouveau recrutement au sein de ces deux groupes sont nécessaires pour que le monde de l'art reste vital et actuel. Le code de diversité et d'inclusion établi par le gouvernement comme condition pour l'obtention de subventions est en train d'apporter un certain changement à cet égard. C'est une nécessité absolue : le changement démographique dans la composition de la population est déjà un fait dans la Randstad. Plus de la moitié des enfants y ont au moins un parent issu de l'immigration. La politique culturelle est donc très en retard sur la réalité sociale. Les institutions artistiques ordinaires - théâtres, musées, salles de concert - ont du mal à attirer ces groupes. Une programmation plus diversifiée est certes utile, mais elle n'attire pas encore des théâtres pleins et coûte un budget supplémentaire.

De plus, le secteur culturel a une énorme empreinte écologique en raison de nombreux déplacements. La succession de vernissages, de festivals, de foires et de premières et le flux incessant de projets courts font du secteur de l'art l'un des plus polluants. Le directeur Wolfs du Stedelijk Museum dit vouloir "des déplacements plus limités : un conservateur ne doit pas accompagner un prêt à l'étranger et peut regarder et consulter en ligne la façon dont il est mis en place". Il en va de même pour les restaurations. 'Le cirque itinérant non-stop - j'espère que cela va changer.' Au Royaume-Uni, l'obligation de préserver et le soutien financier pour le faire ont déjà permis d'obtenir des résultats significatifs parmi les organisations culturelles.iv

La discussion sur la provenance des objets a commencé avec la restitution - souvent tardive - des objets juifs, et s'est étendue ces dernières années à l'art des pays qui étaient autrefois des colonies occidentales. On parle alors d'art colonial. S'il y a eu appropriation du patrimoine pendant les guerres coloniales, il s'agit alors d'art pillé. Aux Pays-Bas, le Conseil de la culture en 2020 a conseillé de rechercher les origines coloniales et de mener une politique active de restitution - même si les pays ne le demandent pas eux-mêmes. C'est l'éthique - et non la loi - qui mène la danse et c'est en partie pour cette raison que ce débat est devenu très polarisé. Le Van Abbemuseum a rejoint l'initiative internationale "Décoloniser le musée". Le directeur explique : "Le musée a été en grande partie financé dans les années 1930 par les bénéfices des colonies : Van Abbe était un fabricant de cigares qui a fait fortune grâce à l'exploitation des travailleurs sous contrat à Sumatra. Les opposants parlent de culture de l'annulation et accusent les partisans de la censure. L'origine des dons et des fonds de parrainage actuels est également de plus en plus remise en question - ce point est abordé en détail dans la deuxième partie de ce livre.

Changement systémique

L'entrepreneuriat culturel est allé trop loin et est devenu une fin plutôt qu'un moyen. Il est devenu si lourdement truffé de réglementations et d'exigences en matière de subventions que le contrôle et la bureaucratie dominent. Un tel système devient alors rigide et l'innovation a peu de chances d'aboutir. Les gens commencent alors à s'adapter de plus en plus à ce système rigide et confus - ils ont l'impression qu'il est immuable. Par conséquent, personne ne se sent plus responsable des conséquences négatives de ce système, mais les impute au "système" ou à la "politique".

Tout d'abord, le secteur lui-même devra assumer la responsabilité d'un système plus juste et plus sain et donner le bon exemple. Lorsque des problèmes surviennent, le réflexe tenace est : le gouvernement devrait régler cela, il devrait y avoir plus de subventions pour cela d'abord. Mais continuer à injecter de l'argent dans un système bloqué n'a aucun sens.

Si les transitions sont si longues, c'est parce que l'on continue à suivre l'ancienne voie pendant trop longtemps. Les problèmes sont reconnus, mais tous les efforts sont alors consacrés à essayer de réparer le système plutôt que de le changer.

La question clé est maintenant : le secteur culturel va-t-il résoudre ses problèmes systémiques, ou allons-nous nous réfugier dans un système bloqué ?

Le monde de l'art en particulier, avec toute sa capacité créative, devrait être en mesure d'apporter de manière inventive les changements nécessaires.

La dernière partie de ce livre avance un certain nombre de propositions à cette fin, espérant ainsi susciter une discussion sur une transition nécessaire.

Bon à savoir Bon à savoir
Rémunération des artistes et des travailleurs culturels indépendants

Alors que le nombre d'emplois dans l'ensemble de l'économie néerlandaise a augmenté de 2,1% entre 2010 et 2016, le volume de travail dans le secteur culturel et créatif a diminué de 11,5%. Le nombre d'indépendants culturels dans le secteur est passé de 92 820 en 2010 à 141 150 en 2018 : 50% de plus en huit ans. La plupart ont une "pratique professionnelle hybride", c'est-à-dire qu'ils ont plusieurs employeurs temporaires ou indépendants. Cela inclut les artistes-interprètes tels que les acteurs, et les travailleurs culturels tels que les critiques d'art, les auteurs et les chercheurs.v Cela s'explique en partie par le fait que ces "indépendants sans personnel ou travailleurs indépendants devraient en réalité être payés 40% plus que leurs collègues ayant un emploi permanent, car ils doivent financer leur sécurité sociale entièrement par eux-mêmes.

L'artiste visuel moyen gagne 13 000 euros bruts par an. Il s'agit là d'un niveau de bien-être très bas. Seule une petite partie des artistes peut survivre uniquement en vendant des œuvres par l'intermédiaire d'une galerie ou de leurs propres canaux", déclare le codirecteur Eckenhaussen du groupe d'intérêt Platform BK. Les coupes sombres dans la culture ont également tué la loi sur le travail et le revenu des artistes en 2012.

Elle offrait aux artistes la possibilité de percevoir un complément de revenu pendant quatre ans au maximum au cours d'une période de dix ans s'ils ne pouvaient pas assurer un revenu de base avec leur travail artistique. En fin de compte, l'abrogation du WWIK a permis à l'État d'économiser la bagatelle de 8 millions d'euros. Mais ce complément en baisse fait la différence pour de nombreux artistes, qui peuvent ainsi passer au-dessus du seuil ou non.vi Compléter par un poste d'enseignant dans une académie d'art rapporte de moins en moins : là aussi, il y a des contrats zéro et des constructions dites à portes tournantes, qui sont en fait illégales.

En partie à cause des fusions d'orchestres, les musiciens ont été contraints d'accepter des contrats zéro, où ils sont appelés sur appel. Les soi-disant remplaçants ne gagnent souvent que 100 euros pour un concert entier et sont loin d'être toujours payés pour les répétitions immédiates avec l'orchestre - et encore moins pour la répétition d'un morceau de musique à la maison.

Une réorganisation tout aussi rigoureuse a eu lieu dans le monde du théâtre. Seuls l'Internationaal Theater Amsterdam et le Nationale Theater/Toneel emploient encore des acteurs de façon permanente, ce qui représente au total entre 30 et 40 personnes au niveau national, avec des centaines de collègues qui travaillent en free-lance et se retrouvent souvent à l'aide sociale l'été, car il n'y a alors pratiquement pas de représentations.

Toutes les autres compagnies, y compris dans le domaine de la danse, travaillent sur la base de projets ou de saisons avec des gens de théâtre compétents et souvent très expérimentés. Cela s'applique aussi la plupart du temps aux techniciens, aux metteurs en scène et aux chorégraphes. La plupart des postes non rémunérés se trouvent dans les salles pop : là, seuls 19% du personnel sont salariés, plus de la moitié sont bénévoles et doivent se contenter d'un concert gratuit. Les auteurs et les écrivains reçoivent généralement 10% des recettes de leurs livres et il n'est pas rare qu'ils travaillent sur une publication à leurs propres frais pendant de longues périodes. Il n'y a plus de budget pour la recherche indépendante et extra-universitaire avec des fonds de dotation.

Pendant Corona, l'aide à l'employeur (NOW) n'était disponible que pour les personnes ayant un emploi permanent. Le régime temporaire transitoire de travail indépendant. 40% des demandeurs de TOZO à Amsterdam travaillent comme indépendants dans le secteur de l'art. Mais au niveau de l'aide sociale, tu peux déjà à peine payer ton loyer dans la capitale chère. De plus, ceux qui vivent ensemble ne peuvent pas faire de demande.vii

Bien que les travailleurs indépendants soient des entrepreneurs, ils ne pouvaient pas demander d'aide aux entreprises.

En juin 2020 déjà, la Plateforme des musiciens indépendants signalait qu'une catastrophe silencieuse était en cours chez les musiciens indépendants : plus de 60 pour cent des personnes interrogées déclaraient que les missions pour le reste de la saison avaient été annulées, près de 40 pour cent étaient déjà confrontées à des annulations pour l'année suivante en raison de programmes reprogrammés. Plus d'un quart d'entre eux envisageaient donc déjà une reconversion.viii . Conséquence : Plus de deux tiers des indépendants ont connu une baisse de leur chiffre d'affaires de plus de la moitié de leurs revenus antérieurs, a rapporté CBS en 2021.

Dix fois plus d'aides corona ont été accordées aux grandes organisations, mais elles ont ensuite accordé moins d'aides aux travailleurs temporaires, aux artistes et aux indépendants que les petites organisations. Le Kunstenbond a mené et mène encore des procès pour faux travail indépendant au nom de travailleurs temporaires permanents de l'Orchestre du Ballet, entre autres : il devait encore employer ces chanteurs. L'ironie de la chose, c'est que certains d'entre eux s'étaient depuis recyclés et avaient trouvé un emploi offrant une plus grande sécurité d'existence. Le syndicat a également fait pression avec d'autres groupes d'intérêt pour obtenir une indemnité unique de 5 000 euros pour tous les chanteurs indépendants, mais cette proposition n'a pas passé le cap de la politique.ix

i
Rapport SCP
Vie culturelle, Nov 2018 :file:///C:/Users//Downloads/Het+culturele+leven.pdf

ii https://cultureelpersbureau.nl/2020/05/vergeet-klm-en-booking-ook-in-de-gesubsidieerde-kunsten-zijn-de-directeuren-grootverdiener/

iv Par exemple, entre 2012/2013 et 2017/2018, les émissions de CO2-des émissions dues à la consommation d'énergie de 35 pour cent (Conseil des arts 2018).Voir aussi https://www.boekman.nl/wpcontent/uploads/2022/02/Towards-sustainable-arts-14-February-2022-Compressed.pdf

ix

https://www.msn.com/nl-nl/entertainment/nieuws/stille-ramp-gaande-voor-zzpers-in-de-cultuursector/ar-BB15WVxf

Couverture du livre L'art de la différence
Couverture du livre L'art de la différence

Le livre (120 pages) coûte 14,95 plus les frais de port, il peut être commandé sur mon site Internet.

www.ReneeSteenbergen.com

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Wijbrand Schaap

Journaliste culturel depuis 1996. A travaillé comme critique de théâtre, chroniqueur et reporter pour Algemeen Dagblad, Utrechts Nieuwsblad, Rotterdams Dagblad, Parool et des journaux régionaux par l'intermédiaire d'Associated Press Services. Interviews pour TheaterMaker, Theatererkrant Magazine, Ons Erfdeel, Boekman. Auteur de podcasts, il aime expérimenter les nouveaux médias. Culture Press est l'enfant que j'ai mis au monde en 2009. Partenaire de vie de Suzanne Brink Colocataire d'Edje, Fonzie et Rufus. Cherche et trouve-moi sur Mastodon.Voir les messages de l'auteur

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