Vake Poes de Lisaboa Houbrechts au Holland Festival : à la recherche de la beauté dans une histoire très sombre.

'Parfois, les gens viennent me voir en pleurant pour raconter leur histoire, des choses qu'ils ont vécues.' La créatrice de théâtre, auteure, metteuse en scène Lisaboa Houbrechts a mis le feu aux poudres avec Vake Poes, l'épopée théâtrale familiale qu'elle a créée avec la compagnie flamande La Geste. Ce spectacle féroce, dont le lyrisme s'inscrit dans la lignée des Ballets C de la B d'Alain Platel, dont La Geste est issue, décrit comment les abus sexuels d'un prêtre catholique romain affectent plusieurs générations. La représentation peut être vue au Holland Festival les 16 et 17 juin.

Selon l'artiste né en 1992, dont l'étoile monte rapidement dans le théâtre international, le spectacle n'est pas un réquisitoire contre l'église : "Mais il est distinct de l'église catholique romaine. Le spectacle porte sur les expériences en général. La performance ne concerne pas seulement le plus grand acte de violence, mais tout le chemin qui y mène. Et cette violence n'est pas aussi monstrueuse qu'on le dit souvent, elle est beaucoup plus nuancée, beaucoup plus forte et elle est aussi liée à l'amour.

Cela suscite beaucoup d'émotions".

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WS : C'est devenu une pièce intense, les critiques sont toutes positives, mais ce n'est pas non plus très réjouissant. Qu'est-ce que tu as fait ?

Lisaboa Houbrechts : Le spectacle a été conçu à l'origine à partir de l'idée d'écrire un roman. Mais comme mon langage théâtral s'est développé au fil des ans de telle sorte que le langage écrit est lié aux images et à la musique, j'ai trouvé qu'une histoire plus large était plus intéressante. Un autre facteur est que la musique offre du réconfort, ce qui était très bienvenu avec ce thème lourd. Dans cette histoire, je vois Bach comme le facteur de liaison dans une histoire de famille qui s'étend sur trois générations.

Le projet parle d'une jeune fille d'aujourd'hui, âgée de 12 ans, qui voyage dans le temps, dans les souvenirs de son grand-père et dans ceux de mon père. Dans tous ces souvenirs, elle rencontre constamment une récurrence de la violence au sein de cette famille. Plus précisément, il s'agit aussi d'abus sexuels récurrents au sein de différentes générations, et de victimes devenant des auteurs.

L'idée était de créer un spectacle assez intense, mais vu à travers des yeux d'enfants et avec la poésie requise. Ce n'est pas seulement de la provocation. Il ne s'agissait pas non plus d'être provocateur, mais de faire en sorte qu'une jeune fille de 12 ans cherche la beauté dans une histoire très sombre. Et oui, pour moi, c'était surtout une joie de voir cette histoire, que j'ai écrite et vécue, soudainement sur scène. Avec un groupe aussi important et des personnes de différentes disciplines, c'est aussi une célébration du théâtre et une célébration de la vie, même dans sa nervosité la plus profonde.

WS: Tu as d'abord voulu en faire un roman. Cependant, le pas à franchir pour passer de l'intimité d'un roman à la grande scène de l'Opéra des Flandres est assez grand. Pourquoi voulais-tu d'abord en faire un roman ?

Lisaboa Houbrechts : Parce que certains fragments ou moments de la vie des personnages m'ont rendu visite sous forme d'images, alors que j'avais en fait le langage en tête. C'est la raison pour laquelle il s'agit également d'un monologue. Le monologue a en fait la puissance d'un aria, si vous comparez cela à la musique classique. L'opéra n'était donc pas si loin. Les arias que j'ai écrites dans ces monologues s'accordent avec la Passion selon saint Jean de Bach, qui est en fait plus une réflexion. Il y a un espace intérieur où le chanteur chante surtout à propos de Dieu. Cela a créé un lien fort entre la musicalité et le langage. Le passage de l'écriture à la connexion avec la musique n'a en fait pas été très important. C'était une connexion instantanée.

Cela s'applique également à mes travaux antérieurs. Les performances que j'ai réalisées pour Vake Poes comportaient également de grands gestes sur la grande scène. C'est quelque chose que j'explore et à travers lequel je sens que mes images se développent de plus en plus dans l'écriture. J'ai trouvé intéressant d'interrompre certains textes et de faire de la place pour une image ou une métaphore qui n'a en fait plus besoin du langage. Le texte n'est alors plus une illustration de l'image. L'image n'est pas une illustration du texte. Je trouve ce genre d'exercice de réflexion intéressant.

Si cela entraîne également une émotion chez le public, c'est ce que j'essaie d'obtenir. Je veux créer une expérience, et le théâtre offre de nombreuses possibilités d'évoquer une telle expérience. Peut-être plus que ce que je pourrais réaliser avec un stylo, un texte ou un roman.

WS : Un roman est encore petit, épuré et privé. Le théâtre, en revanche, est grandiose et énorme, tout sauf petit. La subtilité d'un roman est certainement différente. Mais, comme pour les écrivains de la littérature, la question est pertinente : dans quelle mesure est-ce autobiographique ? Bien sûr, c'est un peu la mode de poser cette question, mais dans quelle mesure la fillette de 12 ans est-elle liée à toi en tant que personne ?

Lisaboa Houbrechts : Oui, il s'agit d'une grande tendance. Nous vivons à une époque où le personnel reçoit de plus en plus d'attention. Je pense que l'histoire est surtout universelle et qu'elle touche à certains aspects de ma propre vie. Mais ces aspects touchent aussi d'autres personnes. Il s'agit d'abus de pouvoir et d'abus sexuels. Il y a donc beaucoup de problèmes qui dépassent largement le cadre d'une seule vie. Je me suis également inspirée d'autres vies. Le spectacle commence dans les années 1940, où le petit garçon qui représente le grand-père de la petite fille devient victime d'abus sexuels au sein de l'Église catholique, puis est libéré par les forces d'occupation.

L'occupant allemand entre dans les années 1940 et relève le clergé de ses fonctions. Pour un si petit garçon, cela devient une sorte de libération. Le nazi comme libérateur des abus sexuels commis par l'Église catholique. C'est une idée géniale qui montre comment la grande histoire peut intervenir dans le monde intime de ce petit garçon et de cette petite fille, qui se rencontrent en tant que grand-père et fille et petite-fille.

Ce sont des éléments que j'ai ajoutés et dramatisés. J'essaie de leur donner un sens dans le cadre d'une histoire plus vaste. Ainsi, des choses s'assemblent qui sont distinctes de l'autobiographique, mais qui ne sont pas moins réelles pour autant. Tu fantasmes au sein de la réalité, brouillant ainsi la distinction entre fiction et autobiographie.

Et c'est là aussi que réside une grande différence entre le privé et le personnel. Le texte est toujours quelque chose qui passe par ton propre corps. Même lorsque tu joues un rôle comme celui de Médée, tu le portes jusqu'au bout à travers ton propre corps. Ce qui reste alors n'est pas autobiographique, mais c'est personnel. C'est ainsi que j'ai traité et digéré ma propre histoire, mais aussi celle des autres. J'ai également interviewé des gens. Cela concernait le pouvoir du catholicisme sur les enfants dans les années 1940. C'est parfois difficile à imaginer pour nous, mais très spécifique à cette génération.

J'ai également demandé certains dossiers sur des cas connus en Belgique d'abus sexuels au sein de l'Église catholique. Quelle est l'imagination des enfants souffrant de tels traumatismes ? Que voient-ils et quels cauchemars font-ils lorsque de tels événements se produisent ?

Le spectacle est une sorte de rêve fiévreux et non une représentation de la réalité : tu plonges dans le monde intérieur de certains personnages.

WS : La scène devient intense peu après l'ouverture. Tu vois le "toilettage" d'un petit garçon par un prêtre et tu entends la suite lorsqu'ils quittent la scène. Cela vous touche jusqu'à l'os. Qu'en est-il des enfants qui jouent sur scène ?

Lisaboa Houbrechts : Nous avons travaillé très progressivement avec les enfants. Les enfants étaient conscients des histoires. Nous avons également travaillé en étroite collaboration avec les parents, qui ont compris que ce sont des choses que vous vivez. Les enfants ont entendu parler de cette réalité et sont plus conscients de ces choses que vous ne le pensez.

Tout au long du processus, nous avons également travaillé avec un thérapeute et un psychologue. Je leur ai parlé et nous avons adopté une approche par le jeu.

Mais il ne s'agit pas seulement d'abus sexuels. Il s'agit aussi de l'Église catholique et les enfants ont eu plus de mal à ressentir de l'empathie, à comprendre et à jouer avec. Que signifie prier en toute confiance lorsque les enfants ne sont pas croyants ? Ils ne savent pas ce que signifie le pouvoir d'un pasteur. Qu'est-ce que cela devient alors ? Ils sont plus susceptibles de le voir dans le rôle d'un enseignant. Nous avons dû traduire cela dans d'autres domaines, et nous avons donc demandé à quelqu'un de nous aider à établir des liens avec les enfants.

Ce sont aussi des enfants qui ont eu l'expérience des cours de théâtre après l'école ou qui ont participé à des comédies musicales. Il y a même un garçon qui a participé à la comédie musicale sur Daens. Il a dit que Daens était beaucoup plus intense que ce que nous évoquons par la suggestion et la poésie. Je pense aussi qu'en tant qu'adultes, notre imagination fonctionne différemment lorsque nous entendons de tels sons. Nous projetons immédiatement toute une histoire, alors que cela fonctionne différemment pour eux.

Les enfants d'aujourd'hui, de 11 ou 12 ans bien sûr, ont tous leur téléphone. Leur accès au savoir est différent de celui que j'avais quand j'étais jeune. Ils sont conscients de beaucoup de choses. Sur un film américain ou sur un téléphone comme ça, ils peuvent trouver des images plus choquantes que ce que nous avons fait et pour lequel nous avons suivi tout un processus, eu des conversations, travaillé avec de la poésie, pour nous assurer que nous travaillions avec les enfants de manière humaine et douce, et que tout le monde était impliqué, des parents aux psychologues en passant par l'équipe de production, pour s'assurer que tout soit bien suivi et qu'ils aient le rêve des acteurs avant tout.

Nous avons beaucoup parlé de " comment jouer quelque chose comme ça ? ". Cela leur a plu. Pieter, qui joue une scène intense, est un acteur qui avait une bonne relation avec les enfants. Il est très joyeux, alors les enfants aiment jouer ces scènes avec lui. Il est remarquable que le spectacle ait beaucoup de lourdeur pour nous en tant que spectateurs, mais que ce soit une joie pour les enfants eux-mêmes de jouer, et qu'ils rêvent d'être un jour dans un grand spectacle ou de jouer les plus grands drames.

WS : En parlant de drame, la Passion selon saint Jean joue un rôle important. Nous te ferons entendre un morceau.

Lisaboa Houbrechts : Cela m'émeut, et cela m'émeut aussi de l'entendre ici. L'ouverture est l'une des raisons pour lesquelles j'ai voulu faire le morceau de cette façon. C'est ce hautbois là-dedans qui atteint vraiment le ciel. C'est la musique qui vous rend presque religieux. Elle m'émeut vraiment.

WS : C'est le maître de tous les maîtres. Je l'aime aussi. Mais aussi un peu effrayant. Peux-tu imaginer cela aussi ?

Lisaboa Houbrechts : Oui, elle a un impact profond, bien sûr, mais ce n'est pas une œuvre expressionniste à la Strauss. C'est une passion, chantée par le peuple, par les gens dans l'église. Elle a donc aussi quelque chose de très reliant. C'est aussi très protestant. C'est donc aussi une origine différente du catholicisme.

La passion, c'est réfléchir, c'est confesser son péché. Il s'agit aussi de la nature pécheresse de l'homme. C'est quelque chose d'effrayant, mais en même temps, la musique est presque cosmique. Pourtant, je me souviens toujours de cette fantastique scène de film de Tarkovski. Dans Le Miroir dans laquelle la caméra glisse ensuite sur la forêt et tous les insectes de la forêt et les feuilles.

Il s'agit en fait du pouvoir magique de la vie. C'est dook une traduction de cette idée majestueuse que tout est lié. C'est en effet quelque chose d'effrayant. En particulier, je pense que Bach est très magistral dans la douceur et la nostalgie de ce hautbois. La simplicité et le fait d'aller droit au cœur.

WS : Ton spectacle ne fait pas vraiment la publicité du catholicisme.

Lisaboa Houbrechts : Il s'agit de l'histoire d'un catholicisme, d'une certaine image que nous avons du catholicisme. J'ai effectivement choisi la Passion selon saint Jean pour défendre la foi. Il s'agit d'un mouvement d'attaque et de rapiéçage qui est constamment dans le spectacle. Je voulais utiliser la Passion pour cela, parce que dans l'histoire de la jeune fille qui voyage à travers l'histoire, il y a aussi les membres de la famille qui veulent à nouveau clouer Jésus sur la croix, qui disent en fait que ce Jésus est responsable de la souffrance dans le monde. Et s'il y avait un Dieu, pourquoi ce Dieu permet-il toute cette misère ? Ils crucifient donc Jésus à nouveau. Dans la série, cela se fait à l'aide d'une petite poupée de Jésus faite de papier journal.

Mais à la fin, quand ce Jésus est mort, la misère ne s'arrête pas. C'est alors la grand-mère qui prend la parole et dit : que signifie le confort ? Quand tu as dissous toute forme de spiritualité, l'existence devient-elle plus légère ou plus facile ? La grand-mère et la petite-fille se connectent dans une spiritualité indéterminée, quelque chose qui n'est pas forcément catholique, vis-à-vis d'une génération d'enfants des années 1940 qui ont en fait une idée dure du catholicisme.

Par exemple, il y a là une différence de représentation entre une vieille religion dans le vieux catholicisme et une possible nouvelle spiritualité. De plus, plus que jamais, je pense que la spiritualité est incroyablement branchée aujourd'hui. Si tu penses à toutes les personnes qui font du yoga et au nombre de films d'horreur qui sont réalisés autour de thèmes spirituels. C'est quelque chose qui imprègne notre culture pop. Mais c'est aussi, si tu vas à Jérusalem, cela a aussi un impact incroyablement profond. Vous sentez alors que quelque chose vibre là-bas, qui va au-delà de tous les systèmes qui ont été faits autour de cela dans le catholicisme et le judaïsme.

Mais il y a aussi quelque chose que l'homme veut croire, parce que l'homme a besoin d'un regard extérieur, ou quelque chose comme ça. Pour ne pas être seul et trouver un destin, mais que cela peut aussi être dans le moi. C'est dans la petite-fille de Vake Poes : à la fin, elle devient presque une sainte, mais une sainte d'elle-même et pas forcément une sainte d'une institution.

WS : As-tu été élevé dans la religion catholique ?

Lisaboa Houbrechts : Non, pas du tout. J'ai été élevée de façon très libérale et je ne suis jamais allée à l'église non plus. C'était une découverte d'assister à la messe avec toute cette musique d'église. Et bien sûr, la culture occidentale est pleine de symboles religieux catholiques. C'est donc à travers l'art que je suis entrée en contact avec la religion et j'ai ressenti une fascination qui n'a pas été transmise à ma famille, car la religion n'apporte que des abus et de la souffrance.

Je pense que c'est quelque chose qui vit dans la tête de beaucoup de gens et c'est l'une des raisons pour lesquelles elle ne voulait pas opprimer ses enfants avec ce genre de pensée chargée. C'est pourquoi beaucoup d'enfants redécouvrent ces histoires religieuses comme s'il s'agissait de mythes. La nouvelle génération l'aborde beaucoup plus comme un poème ou quelque chose de poétique que comme une norme à laquelle il faut se conformer.

WS : En Flandre, le cloaque du catholicisme, des abus, s'est vraiment ouvert assez récemment. Est-ce que tu le ressens aussi dans la salle ?

Lisaboa Houbrechts : Les gens viennent parfois me voir en pleurant pour raconter leur histoire, des choses qu'ils ont vécues. Mais c'est plus séparé de l'église catholique romaine. Le spectacle traite des expériences en général. Le spectacle ne parle pas seulement du plus grand acte de violence, mais de tout le chemin qui y mène. Et cette violence n'est pas aussi monstrueuse qu'on la dépeint souvent, mais elle est beaucoup plus nuancée, beaucoup plus grande et elle est aussi liée à l'amour.

Cela déclenche beaucoup d'émotions. Et le "Erbarme Dich" de Bach, qui consiste alors à s'apitoyer sur le sort de l'offenseur. Tu ne sais pas si tu es toi-même coupable. C'est principalement cette ambiguïté de ces situations, qu'il s'agisse de l'acte de violence qui n'en est pas vraiment un.

Cela suscite beaucoup d'émotions, parce que c'est reconnaissable. Cela touche peut-être plus que les histoires littérales de l'Église catholique romaine et ce - comme tu l'as appelé - ce cloaque. Nous avons eu des écrivains comme, par exemple, un Hugo Claus qui a écrit "Le chagrin de la Belgique". Beaucoup de choses ont déjà été traitées à un niveau collectif au sein de la littérature. Ce qui est vraiment parlant aujourd'hui, c'est qu'il s'agit d'un récit intergénérationnel, où une jeune fille d'aujourd'hui, très reconnaissable, traverse à nouveau tous ces traumatismes.

Mais elle n'est pas non plus coincée dans cette violence catholique romaine des années 1940. Elle entreprend également un autre voyage à travers lequel elle doit finalement aussi se libérer de certaines choses qui se produisent dans le présent. C'est cette intemporalité de la reproduction du même système qui est davantage liée aux émotions qu'à cette situation particulière concernant l'Église catholique romaine.

WS : Tu n'existes même pas depuis très longtemps, mais ton étoile a grimpé rapidement. Tu viens de terminer une première à la Comédie Française. Guy Cassiers a fait de toi un projet spécial peu après ta formation. Tu fais du grand théâtre, et d'une certaine manière, je ne m'attendrais pas à cela quand je te vois, moi qui ne suis pas du genre à m'épancher énormément. Qu'as-tu vécu pour en arriver là ?

Lisaboa Houbrechts : J'ai commencé à faire des pièces de théâtre en dehors de l'école quand j'avais huit ans. Tu apprends à réciter des poèmes. Je pense qu'à un jeune âge, j'avais un grand rapport avec les textes, la langue et le développement du langage. J'étais sensible au fait de raconter des histoires et de les réciter.

Ensuite, après les sciences humaines, j'ai commencé à étudier à la KASK. Le cours d'art dramatique se trouvait parmi tous les autres cours d'arts visuels, de cinéma, de musique. Il y avait là un environnement incroyablement interdisciplinaire où toutes les autres sources travaillaient ensemble.

La première entreprise que j'ai fondée s'occupait plutôt d'art visuel. Nous organisions des expositions, et en faisant une exposition de peinture abstraite, je me suis dit : ce serait peut-être bien de faire une performance ici. C'est ainsi que j'ai commencé à collaborer avec des étudiants de différents domaines. Très vite, l'œuvre prend des dimensions un peu baroques et transcende ce contexte d'atelier.

C'est à ce moment-là que Guy Cassiers est venu me voir. Et il m'a demandé de lui faire parvenir mon propre texte. Après une conversation et après avoir vu mon travail, j'ai été invité à devenir un artiste permanent au Toneelhuis. C'était une chance inouïe pour moi, d'aller travailler pour le plus grand théâtre de la ville en Flandre juste après avoir obtenu mon diplôme et d'y faire deux représentations. Hamlet de Shakespeare était très important pour moi afin d'explorer le répertoire.

C'était intéressant de constater que même quelque chose du canon peut encore être très expérimental aussi. C'était amusant de travailler avec ça. Et maintenant, en effet, Faker Poes et Medea à la Comédie Française, le panthéon du répertoire français. Quand je suis entrée, j'ai senti que tout était très naturel.

Parce que, bien sûr, ce sont tous des gens formidables, mais c'est très organique. Il y a eu une connexion immédiate avec les acteurs, dont certains travaillent là depuis des années. L'un des acteurs, qui est très connu en France et qui joue Créon dans Médée, a 76 ans, mais j'ai eu l'impression que nous avions des vies similaires, même si nous sommes bien sûr d'une génération différente. Nous avons tous les deux un amour pour le théâtre, pour le personnage, et vous sentez immédiatement cette énergie émerger. C'est magique. C'est tellement beau que le théâtre permette encore de construire des ponts entre les générations, entre les gens, entre les cultures.

WS : Cela pourrait aussi être différent, parce que tu as une telle compagnie de gens qui sont dans le métier depuis des années, qui sont dans le métier depuis des décennies, qui sont dans le métier depuis un siècle, et puis tu arrives là. A froid depuis l'école d'art, avec une grande idée de faire les choses complètement différemment. Je connais plein d'anecdotes de personnes qui n'ont pas survécu à cela. Pourquoi as-tu réussi ?

Lisaboa Houbrechts : C'est très fou, mais quand j'entre dans un endroit comme ça ou que je vois un théâtre comme ça, je sais quoi faire et ça me permet aussi de rester entière. Je suis très heureux de cela parce que c'est tellement pratique. Propre. Tu vois une scène et tu as une idée et il y a du travail et ensuite il y a tout un processus pour y arriver. Et puis la joie d'apprendre à connaître des gens que je ne connais pas encore là-dedans et de partager une histoire qui signifie quelque chose pour moi. Et puis de sentir que cela a de la valeur même dans un tel contexte et que les gens trouvent cela intéressant. C'est un cadeau, un cadeau. Pour moi, comme je l'ai dit, cela reste assez pratique : j'entre dans un tel espace et je me dis : ah, ici je peux respirer !

C'est surprenant. Un peintre pourrait avoir la même chose lorsqu'il se tient devant une toile blanche avec sa peinture. Il est plus difficile de sortir après une répétition et de se tenir dans une ville comme Paris et de se demander ce que je dois faire maintenant en dehors de ce travail. La particularité du théâtre, c'est que le travail et la vie sont tellement imbriqués. L'inspiration vient vous rendre visite à des moments de la vie et avant que vous ne vous en rendiez compte, une œuvre théâtrale a vu le jour.

Mais j'ai aussi senti qu'avant la Comédie Française, j'avais beaucoup d'expérience avec mon propre travail. L'invitation de la Comédie Française ne s'est pas faite directement de l'école à la Comédie Française. Cela m'a permis de faire un bout de chemin. Ce n'est pas une expérience sauvage ou quoi que ce soit d'autre. C'est vraiment prémédité que j'ai été choisi, par contre. Les gens t'aident aussi à te découvrir. C'est bien que les gens veuillent réfléchir à ton destin et à ce que tu peux faire avec ton talent.

WS : Ce qui me plaît, parce que je peux imaginer que peut-être d'autres se sont cassés la figure à la Comédie Française étaient trop impressionnés ou quelque chose comme ça.

Lisaboa Houbrechts : Oui, tu peux. Tu arrives et il y a beaucoup de règles. Tu ne peux répéter que quatre heures par jour. Le décor doit pouvoir être monté en une heure et démonté en une heure. Vous devez faire face à toutes sortes de restrictions et c'est ce que j'aime dans ce métier. Il s'agit de maîtriser ces règles de base et tu peux alors faire beaucoup de choses si tu connais tes restrictions.

J'ai joué avec Ivo van Hove à Age of Rage et j'ai assisté à ses répétitions. Et c'est aussi très serré la façon dont il dirige là-bas. J'ai trouvé qu'il était un peu aliénant au début. Dans ma propre pratique, je suis beaucoup moins rigide dans les horaires. Mais ensuite, tu vois comment cela peut fonctionner de manière pleinement efficace.

Si vous pouvez vraiment maîtriser cela, c'est bien quand vous arrivez à la Comédie Française et que vous ne voulez pas naïvement tout casser et dire que ce n'est pas juste, que tout devrait être différent, mais suivre le système pour une fois et voir s'il peut faire quelque chose pour moi. C'est intéressant, mais c'est intimidant de répéter dans le théâtre pendant, après tout, six semaines et de savoir que c'est ici que Molière a travaillé et est mort.

Tu as aussi toutes ces centaines de personnes qui entrent et sortent, parce que les répétitions sont toujours ouvertes. La porte est ouverte, donc tu ne peux pas travailler dans l'intimité. C'est très visible. Tout est vu par tout le monde. Tout le monde parle de chaque répétition. Mais je pense que c'est spécial qu'une telle maison veuille s'impliquer dans mon travail d'une telle manière. Mais c'est intimidant dans ce sens.

Mais il en va de même pour les tragédies grecques. Combien y a-t-il de Médée ? J'aime aussi parfois savoir peu alors et ne pas entrer dans chaque Médée, mais faire confiance à cette empreinte intérieure que Médée a dans l'esprit de chacun. Chacun a sa Médée. Il est alors bon de rester le plus près possible d'elle dans un contexte qui est rempli d'histoire et rempli d'icônes et rempli de coutumes et de rituels.

Il est bon alors de penser à cette petite empreinte qui se trouve dans ma tête ou dans mon cœur. C'est la seule façon d'apporter une contribution qui pourrait aussi être précieuse.

WS : Je suis très curieux de voir comment Vake Poes fonctionnera à Amsterdam, comment le public amstellodamois y réagira, car il y a une grande différence entre la Belgique et les Pays-Bas.

Lisaboa Houbrechts : Je suis curieux de voir comment ils vont réagir au contexte flamand ou à la langue flamande. Nous avons déjà joué avec Breughel, une sorte d'icône des Pays-Bas. Après tout, nous ne savons pas si Breugel vient des Pays-Bas ou de Belgique, mais il était intéressant de sentir à quel point la langue est différente des Pays-Bas après tout.

J'imagine bien que la Passion en musique est une tradition qui vit davantage aux Pays-Bas qu'en Belgique. Et Elsie de Brauw est sur la scène. J'espère que ce sera un beau retour aux sources.