Quatre raisons d'aller voir Pelléas et Mélisande #HF19

Le Holland Festival, avec son large éventail d'offres, est parfois son propre concurrent. Par exemple, j'ai manqué Turan Dokht et la première de Pelléas et Mélisande parce qu'à LUMIÈRE ÉTEINTE Le samedi. Pour assister à une représentation de l'unique opéra de Debussy, j'ai dû faire l'impasse sur le concert d'Abd Al Malik. - Choix culturel stressant, frustrant d'un côté mais une richesse de l'autre. Le jeu en valait-il la chandelle ? Je ne peux pas juger de ce que j'ai manqué. Mais je peux vous donner quatre raisons, après ma visite à la Stopera le 12 juin, pour lesquelles vous devriez le faire Pelléas et Mélisande à visiter.

Une mise en scène enchanteresse

Une trame de tubes d'acier suspendus évoque la forêt impénétrable dans laquelle Golaud retrouve Mélisande. Dès le début de la musique, les tiges se mettent à osciller langoureusement, illuminées comme une forêt magique nocturne. Elles laissent place à un escalier triangulaire qui fait office de château du roi Arkel. Les stèles, aux formes changeantes, servent aussi de château à Golaud, de grotte, d'étang et de lieu de rendez-vous secret à Pelléas et Mélisande.

Le scénographe Pierre-André Weitz utilise systématiquement la forme triangulaire. Une référence aussi simple qu'efficace à la relation difficile entre Golaud, son demi-frère Pelléas et Mélisande. L'échafaudage mobile et multifonctionnel poignarde les décors époustouflants de l'œuvre de Stockhausen. LUMIÈRE ÉTEINTE à la couronne.

Les moments où des panneaux géants en forme de trapèze glissent vers le bas pour former un autre triangle sont oppressants. Ressemblant à la hache d'une guillotine, ils préfigurent la tragédie à venir. L'éclairagiste Betrand Killy rend l'atmosphère étouffante palpable grâce à des accents lumineux sur une scène par ailleurs sombre. Ainsi, la mise en scène touche au cœur de l'atmosphère énigmatique du texte de Maurice Maeterlinck.

Costumes élégants

Dans un décor aux tons sombres, les personnages se déplacent en costumes noirs ou gris. La coupe élégante de leurs costumes trois pièces rappelle le début du XXe siècle, époque à laquelle Debussy a composé son opéra. Face à cela, les tenues blanches immaculées de Mélisande ressortent incroyablement. Elle est l'innocence même, semble vouloir nous crier Weitz. Mais à l'émergence, elle porte une robe transparente et sensuelle, ses tétons et son string étant visibles de tous. Peut-être la mystérieuse jeune fille est-elle moins innocente qu'il n'y paraît ? Yniold, le fils de Golaud, est également vêtu de blanc, comme s'il n'était lui aussi qu'une victime des circonstances.

Des chanteurs formidables

L'Opéra national a réuni une distribution de premier ordre pour cette production. La soprano russe Elena Tsallagova, avec sa voix pure et sans fioritures et son charisme de jeune fille, est la Mélisande idéale. Elle sait comment toucher votre cœur en tant qu'adolescente anxieuse assiégée par Golaud, son aîné, en tant qu'épouse dépressive, en tant que boulangère éprise d'amour et en tant que femme délirante qui meurt en couches.

Le baryton irlando-américain Brian Mulligan est également impressionnant dans le rôle de Golaud. Avec sa voix sonore et son apparence imposante, il façonne les divers aspects de son personnage. De l'homme prudent et excité qui est un #MeToo-Il est tout aussi convaincant en mari jaloux qui tue Pelléas, traîne Mélisande par les cheveux sur le sol et, même sur son lit de mort, s'interroge sur un éventuel adultère. Il est tout aussi convaincant en mari jaloux qui tue Pelléas, traîne Mélisande par les cheveux sur le sol et s'interroge même sur son lit de mort sur un éventuel adultère.

Le rôle principal est tenu par la basse britannique Peter Rose, qui incarne le roi Arkel, à moitié aveugle. Il fait preuve d'une remarquable perspicacité dans les relations troublées entre ses petits-fils Golaud et Pelléas. Il émeut par sa compassion et son intérêt pour Mélisande. Le ton souverain avec lequel il accepte le destin qui le prive d'elle et de Pelléas est à couper le souffle. Paul Appleby, malheureusement, est un Pelléas un peu plat.

Complètement sur les bancs, nous optons pour Maximilian Leicher du Tölzer Knabenchor dans son rôle d'Yniold. Affectueusement timide, il soutient son arrière-grand-père Arkel dans les deux premiers actes. Réticent, il espionne ensuite Pelléas et Mélisande pour répondre d'une voix sans faille aux questions de son père envieux.

Au quatrième acte, il chante un solo poignant, plein de références inquiétantes à la tragédie imminente. Leicher est un acteur doué et son français est impeccable. L'ennui ostentatoire avec lequel il écoute les discours interminables des adultes au dernier acte est plein d'esprit.

La musique magique de Debussy

Prima la musica, dopo le parole" (d'abord la musique, ensuite les paroles), tel est l'adage de l'opéra. Pour Debussy, cependant, les deux sont inséparables. Sans exception, les lignes vocales sont syllabiques et suivent de près l'idiome français. L'absence de colorature et d'autres embellissements typiques de l'opéra crée un grand naturel ; les lignes mélodiques sont nettement fluides. Cette approche est également très bénéfique pour l'intelligibilité.

Debussy excellait dans la création de parties orchestrales et chorales "vagues et impressionnistes". Les contours mélodiques tranchants et les impulsions rythmiques fortes sont absents, les harmonies ne sont pas construites à partir de la tonalité traditionnelle. Au lieu d'une intention propulsive, Debussy écrit une musique qui reste pour ainsi dire immobile. Nous pouvons nous baigner dans un bain de timbres brillants, lardés de belles arabesques de bois et de cuivres. Lorsque Mélisande chante, nous entendons souvent un morceau de harpe, l'instrument qui symbolise traditionnellement l'innocence.

Cela ne signifie en aucun cas que Pelléas et Mélisande serait une douce sorte de kitsch. Debussy crée une atmosphère magique et insaisissable qui convient parfaitement au récit symboliste. Sous la surface pittoresque, le malheur fait constamment rage, avec des bassons et des contrebasses qui grondent et des timbales qui grondent doucement. Des silences soudains, des cors en sourdine et des fanfares de cuivres inquiétantes renforcent l'atmosphère de malheur et d'inéluctabilité.

Le Royal Concertgebouw Orchestra est visiblement familiarisé avec cet univers sonore, même les courts motifs solistes sonnent comme une horloge. Dommage que l'orchestre ait parfois noyé les chanteurs. En ce qui me concerne, le chef d'orchestre Stéphane Denève aurait également pu ajouter un peu plus de parfum français. Mais ce ne sont là que des commentaires minimes sur une production par ailleurs exemplaire.