Le festival Moving Futures cherche un nouveau public pour la danse moderne

Beaucoup de gens trouvent la danse contemporaine difficile. En particulier les spectacles de jeunes créateurs qui expérimentent et cherchent de nouvelles voies. Au festival Moving Futures, tout le monde peut découvrir comment la danse peut nous toucher. Pour ce faire, nous ne nous contentons pas de présenter de bons spectacles de jeunes créateurs. Nous proposons également des activités autour de la danse, des programmes contextuels. Ce faisant, nous donnons au public des outils pour se connecter à ce que les danseurs montrent.

Festival itinérant

Il s'agit d'une nécessité absolue. Les coupes budgétaires opérées depuis 2013 frappent durement les jeunes créateurs de théâtre. Pour se maintenir, ils doivent toucher davantage de public. C'est pourquoi cinq maisons de production de danse ont décidé de former un réseau national. L'objectif est d'organiser davantage d'opportunités de diffusion, notamment par le biais d'un festival itinérant. Dansmakers Amsterdam, Dansateliers Rotterdam, DansBrabant de Tilburg, De Nieuwe Oost d'Arnhem et Random Collision de Groningen ont lancé Moving Futures. Un projet tremplin pour les jeunes créateurs.

Suzy Blok est chorégraphe et directrice artistique de Dansmakers Amsterdam. Elle est l'une des organisatrices et conservatrices du festival Moving Futures. Cette année, il en est à sa troisième édition. Il traverse huit villes des Pays-Bas.

Nous avons une bonne coopération avec les autres maisons de production. À plusieurs niveaux. Nous avons élaboré un programme bien pensé. En outre, nous avons été guidés par certaines questions. Comment changer l'idée que la danse moderne est difficile ? Comment faire disparaître la peur qu'elle suscite ? Les groupes de danse et les maisons de production ne sont pas les seuls à subir des réductions. Les théâtres aussi. En conséquence, les portes se sont fermées pour de nombreux jeunes créateurs. Après tout, les théâtres veulent être sûrs d'avoir des salles pleines. Mais certains théâtres ne veulent pas perdre la jeune génération de créateurs de théâtre. Nous les avons consultés au sujet de notre programme.

Plus de terrains de jeux

L'une des chorégraphes dont le travail est exposé est Marie Goeminne. Elle est satisfaite de Moving Futures. Je n'ai pas de subvention structurelle. Je dois donc introduire des demandes pour chaque projet. Je dois introduire une telle demande avant même de commencer à travailler sur ma chorégraphie. Les fonds de subvention veulent avoir la garantie qu'un spectacle sera présenté dans de nombreux théâtres. Mais les théâtres ne veulent pas réserver de spectacles avant de les avoir vus. Un cercle vicieux, en d'autres termes. Moving Futures le rompt. Par exemple, il m'aide à obtenir des espaces de représentation supplémentaires pour ma chorégraphie "Have I Been Here Before".

Culture Press a déjà écrit sur l'expérience spéciale que "Have I Been Here Before" offre au public. 

Programmes contextuels

Les programmes contextuels que Moving Futures met en œuvre avec elle séduisent les théâtres. Ils touchent le public. L'objectif est de développer d'autres façons de réfléchir sur le théâtre. Les programmes contextuels comprennent des conférences, des rencontres avec des scientifiques et des poètes, des discussions avant et après les spectacles. Il y a aussi des rencontres, des fêtes et des dîners avec des danseurs et des chorégraphes. Chaque fois, les programmes contextuels sont adaptés à la ville où se déroule le festival. Il s'agit de Tilburg, Amsterdam, Arnhem, Nijmegen, Rotterdam, Groningen, Utrecht et Zwolle.

Suzy Blok : Nous avons eu une bonne collaboration avec le Domaine de la critique d'art pour l'élaboration des programmes contextuels. Cette institution étudie la manière dont le public réagit à l'art, en particulier à l'art innovant. Elle étudie également la manière de promouvoir le contact entre le public et l'art. Elle a développé des outils numériques qui permettent de créer une communauté en ligne. Celle-ci offre des possibilités de discussion, d'élaboration de thèmes et d'échange d'expériences et de visions. Un espace est également prévu pour la documentation sur les spectacles. C'est aussi ce que nous voulons avec Moving Futures. Une communauté avec une ambiance de festival dynamique. Toutes les personnes impliquées créent le festival ensemble. Les étudiants, les chorégraphes, les danseurs, le public, toutes les équipes impliquées.

Les élèves

Nous impliquons également des étudiants dans chaque ville. À Amsterdam, par exemple, les étudiants en danse théâtrale moderne de la Hogeschool voor de Kunsten font des numéros surprises. À Utrecht, nous avons recruté des étudiants en dramaturgie et en sciences du théâtre. Ils se concentreront sur la réflexion sur le théâtre. Et à Tilburg, des étudiants du programme de formation préliminaire de l'Académie de danse Fontys collaborent.

Retour créatif

L'une des années précédentes, nous avons fait un croisement avec des poètes d'Arnhem. Ils étaient assis dans le foyer avec des machines à écrire à l'ancienne. Sur celles-ci, ils tapaient de manière improvisée des poèmes en réponse aux spectacles. Le public pouvait également leur soumettre des demandes. Les poèmes étaient très variés. Il y avait aussi des poèmes critiques. Et des poèmes drôles".

Cette année, à Amsterdam, nous voulons appliquer la même idée, mais avec la danseuse Junadry Leocaria. Elle donne une rétroaction corporelle instantanée sur les performances, à la manière du hip-hop. Une réaction à ses propres mouvements de danse, en d'autres termes. Cela aussi devrait favoriser le sentiment d'effervescence du festival. L'impression qu'il se passe quelque chose partout. Un peu comme lors du festival "J'aime regarder aussi", où il se passait quelque chose dans toutes les salles du Paradiso.

Croise avec la science

Dans le passé, le festival a fait un croisement avec le neuroscientifique Christian Keysers. Suzy Blok : Nous avons choisi ce thème en nous basant sur l'idée que "la connaissance fait l'amour". Keysers est un expert des neurones miroirs et de l'empathie kinesthésique. Les gens ont une tendance innée à refléter ce qu'ils voient. Par exemple, si vous voyez quelqu'un trébucher, vous réagissez comme si vous trébuchiez vous-même. C'est parce que vous savez par expérience ce qu'est un trébuchement. Il s'agit d'une sorte de reconnaissance instantanée. Vous avez donc l'impression de trébucher en même temps que l'autre personne. Keysers a mené des recherches lors des représentations de notre festival, avec des groupes de test. Ses théories ont été confirmées. À la fin du festival, il a présenté les résultats.

Présentations interactives

Les introductions interactives de Sanne Wichman témoignent de la perspicacité de Keysers. Sanne est titulaire d'une maîtrise en éducation artistique et est enseignante et directrice de production.

Sanne Wichman : ,,Avant de faire les présentations, je consulte les créateurs. Nous parlons alors de l'idée sous-jacente de leurs spectacles. Nous parlons de ce qu'ils veulent donner au public".

Dans les introductions interactives, je permets au public de faire l'expérience de ce sur quoi le créateur travaille. Si vous reconnaissez quelque chose, vous serez peut-être plus à même de sympathiser que si quelque chose vous est étranger. Dans les ateliers, je permets aux étudiants de faire l'expérience des mouvements qu'ils vont voir. L'expérience que je donne au public lui permet de vivre le spectacle et de le subir plus intensément.

Nouveaux groupes cibles

C'est ainsi que nous rapprochons les spectacles, les créateurs et le public. Nous essayons ainsi de rapprocher de nouveaux publics de la danse moderne. Pour ce faire, nous partons de quelques questions. Où la danse peut-elle être pertinente pour le public ? Comment pouvons-nous élargir le groupe de spectateurs ? Il existe de nombreuses formes d'art. Tout le monde ne choisit pas nécessairement la danse. Ce que nous faisons, c'est rechercher des publics qui sont tangentiellement liés à la danse".

Suzy Blok : Il ne s'agit pas nécessairement de conquérir de nouveaux publics. Où la danse moderne peut-elle être pertinente pour le public ? C'est de cela qu'il s'agit. Il existe de nombreuses expressions artistiques. Chacun a sa préférence. Tout le monde n'est pas obligé de choisir la danse. La question est de savoir avec quel public, en tant que créateurs de danse, nous avons des points communs. Je pense qu'il est bon de donner un avant-goût aux gens. Après cela, ils décident eux-mêmes s'ils veulent se lancer dans la danse".

Nous ciblons également les écoles. Cette année, il s'agit d'élèves du lycée Montessori d'Amsterdam. Zeynep Gündüz, enseignante à Codarts Hogeschool voor de Kunsten et à Amsterdamse Hogeschool voor de Kunsten, donne une introduction générale à la danse contemporaine. Elle concentre cette introduction sur le festival Moving Futures. Elle présente aux étudiants des questions telles que : quel type d'œuvre vais-je voir ? Comment peut-on regarder un spectacle ? Quel est le rapport entre le spectacle et mon expérience ? Sanne leur donne ensuite des missions physiques. Ceux-ci se concentrent sur des éléments des spectacles qu'ils vont voir".

Contact avec le public

La chorégraphe Marie Goeminne est convaincue que les programmes contextuels porteront leurs fruits. Ils s'inscrivent dans de nouvelles formes de communication avec le public.

Marie Goeminne : Avant, je trouvais très excitant de présenter une pièce de théâtre à un public. Une fois la pièce terminée, je préférais me cacher. J'ai entendu, par l'intermédiaire, comment le public avait réagi à la pièce".

Plus tard, des pré-conversations et des post-conversations ont été organisées. Je devais m'y habituer. Je me suis dit : "Je me partage déjà dans la représentation théâtrale ! Pourquoi devrais-je également me partager dans une telle conversation avec d'autres personnes ? Mais j'ai fini par comprendre que le dialogue avec le public ne commençait pas et ne se terminait pas avec la représentation".

De cœur à cœur

Je trouve qu'un tel entretien est un ajout positif aujourd'hui. Lors des précédentes représentations de "Have I Been Here Before", j'ai fait appel à deux personnes spécialisées dans les entretiens d'après représentation. Elles ont fait des recherches dans ce domaine. Elles ont veillé à ce que l'atmosphère de la représentation se poursuive pendant l'entretien. Cela n'a pas été facile. C'était un spectacle intense. Ils ont posé des questions au public. Ils ont également distribué des cartes avec le dessin d'une silhouette humaine. Ils ont demandé aux spectateurs de les colorier comme ils avaient vécu le spectacle. De cette manière, le contact de cœur à cœur qui s'était établi pendant le spectacle est resté intact.

Il est important de noter que les gens ne réagissent pas à ce qu'ils voient uniquement à partir de leur esprit. Du point de vue de l'esprit, les gens veulent analyser la signification d'un spectacle. Mais il vaut mieux qu'ils laissent s'imprégner ce qui leur vient à l'esprit pendant le spectacle. Les danseurs parlent avec leur corps. Alors pourquoi les spectateurs ne réagiraient-ils pas aussi à partir des sensations physiques que le spectacle évoque en eux ?

Regarder un spectacle de danse, c'est ressentir physiquement les mouvements. C'est ce que j'imagine lors d'une rencontre entre danseurs et public. Un aperçu du monde de l'autre. C'est ce que j'aime dans le festival Moving Futures. Il stimule l'expérience théâtrale immersive. Et pour moi, cela signifie que j'en sais plus sur ce qui se passe dans le public.

Suzy Blok sur le programme du festival Moving Futures

Lors de la programmation, nous avions plusieurs points de départ. Tout d'abord, nous avons cherché à savoir si un jeune chorégraphe était prêt à présenter son travail devant un public. Cette année, nous nous sommes également concentrés sur la cohérence thématique. Chaque soirée contient des représentations qui sont liées à un thème. L'un des thèmes est le genre. Un autre est l'identité. La question : d'où venez-vous ? Culturellement, mais aussi : de quels mondes de la danse ?

C'est ainsi que Joseph Simon a créé "The Culture Kid". Joseph a grandi dans un pays différent de celui de ses parents. Comment cela l'affecte-t-il ? Son passé de danseur est également lié au thème de l'identité. Il a pratiqué la danse classique et le break dance. En tant que créateur de danse contemporaine, il combine ces deux styles".

Le miracle de la geisha, de la chorégraphe Jija Sohn, est aussi une question d'identité. Ses parents sont coréens. Elle-même est née au Japon. Le spectacle, dansé par trois femmes japonaises, réunit différentes cultures. L'exotisme joue un rôle. Il s'agit également de savoir si les cultures persistent en tant qu'extrêmes ou si elles se combinent.

Le spectacle d'ouverture est "Your Mother at my Door" de Timothy and the Things. Il s'agit de se libérer de son milieu d'origine. Trouver son individualité. Nous avons également des thèmes relationnels et des performances autour de la technologie et de la performance. Enfin, Cinedans propose un programme de films sur la danse.

Le programme dans les différentes villes peut être consulté à l'adresse suivante http://movingfutures.nl