Ayant vécu sept ans à Milan, où l'industrie de la mode ne se résume qu'aux tendances et au spectacle, il est vraiment rafraîchissant de découvrir des perspectives qui vont bien au-delà des tendances et des attentes sociétales. La Biennale 2026 de l'État de la mode à Arnhem montre qu'il est possible de travailler au sein de cette industrie avec un œil critique et de proposer des alternatives qui impliquent les personnes et les régions qui restent si souvent à l'écart des feux de la rampe.

Si la plupart d'entre nous sont conscients de l'impact de l'industrie de la mode sur l'environnement et sur les conditions de vie des gens, il est parfois très difficile d'imaginer une autre façon de fabriquer de la mode, sans gaspillage, sans pollution et sans exploitation. Ces approches alternatives consistent notamment à s'intéresser à d'autres traditions et matériaux non occidentaux et à considérer les différences comme une source de connaissances.

Tout en collaborant avec divers pays du monde et en offrant une plateforme aux artistes internationaux, la Biennale parvient à maintenir un lien avec la scène locale, néerlandaise, de l'art et de la mode : cela est particulièrement évident à Stadhuisplein et à The Entrepreneurial Lab, où le premier expose les projets de fin d'études des étudiants du programme de licence en design de mode d'ArtEz et le second présente un projet réalisé en collaboration avec la communauté locale.

Prenant Arnhem comme point de départ, la Biennale élargit ses horizons pour englober toutes les façons possibles de faire de la mode, offrant au public un sentiment d'espoir en ces temps incertains.

Redéfinir les promesses

La Biennale State of Fashion 2026 à Arnhem, ouverte du 14 mai au 28 juin, articule ses principes dans le titre Available to Promise : Hidden Systems, Shared Futures (disponible à la promesse : systèmes cachés, avenirs partagés). Le programme de la biennale, qui a sa base et ses racines à Arnhem, ouvre la porte au monde et pose une question fondamentale : qu'est-ce que la mode ?

Nous avons l'habitude de penser au produit final, mais nous ignorons généralement les processus par lesquels ces objets sont passés avant d'arriver dans nos magasins, ainsi que l'endroit où ils finissent lorsqu'ils sont cassés, trop petits ou démodés. La biennale State of Fashion vise à donner au public une vue d'ensemble de la mode en tant que processus, en réfléchissant à qui subit les conséquences de cette industrie et à ce qui pourrait changer à l'avenir. C'est sa principale force, l'espoir implicite que nous voyons déjà dans le titre ‘Available to Promise’, qui signifie que ces promesses peuvent être remodelées et révisées.

J'ai assisté à l'ouverture de la Biennale State of Fashion 2026 le 13 mai et j'ai eu la chance de découvrir en avant-première les différents lieux où se déroulera la Biennale à partir du 14 mai : l'église Eusebius, Rozet, le pavillon extérieur sur Stadhuisplein, le Museum Arnhem et The Entrepreneurial Lab.

Des projets liés à la mode seront présentés dans ces cinq lieux, mettant alternativement en évidence la dimension locale et le monde entier, reliant Arnhem à divers partenaires étrangers par le biais d'une série de projets de recherche intégrés au Sri Lanka, en Chine et au Ghana. La dimension internationale de la Biennale montre comment l'industrie de la mode est interconnectée au niveau mondial, ces connexions s'étendant même aux mondes non-humains.

Église Eusebius : une exposition sur l'avenir de l'industrie de la mode

Construite autour de cinq piliers interconnectés - Develop, Distribute, Hype, Experience, Transform - la Biennale révèle les aspects cachés de la production de la mode, tout en maintenant une tension productive avec ce qui est réellement exposé : cela est particulièrement évident dans l'exposition principale à l'église Eusebius, où l'on peut rencontrer des tissus, des mains, des histoires et le produit final, ainsi qu'un regard ironique sur les tendances de la mode.

Après avoir visité deux autres sites, Stadhuisplein et Het OndernemersLab, où la dimension locale de la Biennale devient évidente, l'exposition dans l'église Eusebius embrasse pleinement la portée internationale de la Biennale ; un paradoxe, étant donné que l'exposition se tient dans l'église principale de la ville. Pourtant, l'église elle-même devient le point de départ d'une révélation sur le fonctionnement de l'industrie de la mode et sur le nombre de personnes et de lieux différents qui y sont impliqués.

Ce lieu, à la fois fascinant et stimulant, comme l'ont souligné les commissaires, abrite la partie la plus complexe de l'organisation de la Biennale, qui rassemble des œuvres d'art très diverses, allant des beaux-arts au design de mode. Dans cette église, les trois commissaires, Anouchka van Driel, Shanu Walpita et Anne Zhou, ont expliqué leur vision de la mode comme un processus collaboratif impliquant de multiples acteurs interconnectés. En entrant dans l'église, cette interconnexion devient de plus en plus évidente : de l'entrée à la partie arrière, où se trouve un orgue impressionnant, les visiteurs passent par toutes les étapes de l'industrie de la mode, de la production à la rupture.

La première partie de l'exposition, intitulée ‘Develop’, met en lumière le processus de production textile, en insistant sur les droits des travailleurs et les conditions d'exploitation auxquelles ils sont exposés : c'est ce que montre très bien l'installation ‘Young (Spring)’ de Wang Bing, qui juxtapose des vêtements neufs soigneusement nettoyés et non portés à des séquences vidéo de travailleurs migrants du textile. Mais il y a aussi de la place pour l'espoir : ‘Human Touch’, une marque de mode conceptuelle allemande combinant art et activisme, invente d'autres façons de travailler au sein de l'industrie. Le même mécanisme de critique combiné à des solutions possibles se répète dans les piliers suivants.

Sous Hype, The Riot Collection de Charlotte Maeva Perret propose une critique explicite de la mode en circulation numérique, questionnant la relation entre logos et identité : l'œuvre imite les articles de marque en parcourant Internet à la recherche d'images de mode iconiques et en les imprimant sur une collection originale, inventant ainsi le concept de “piratage de la mode”.

L'exposition se termine par le pilier Transform, qui remet en question la ‘mort’ actuelle des vêtements et tente d'imaginer des avenirs différents pour l'habillement. Liquid Bodies de Rosie Broadhead, designer et chercheuse spécialisée dans les éco-matériaux, présente une vision de nouveaux textiles bénéfiques à la fois pour l'homme et pour l'environnement, transformant le tissu en une interface entre le corps et le monde qui l'entoure, d'un point de vue plus qu'humain.

Ce qui m'a le plus frappé après la visite, c'est le sentiment de fraîcheur que l'exposition dégage par ses choix curatoriaux. Et surtout, l'espoir d'un changement futur dans l'industrie de la mode.

Au-delà de l'étiquette : La mode dévoilée à la Biennale 2026 de l'État de la mode

Pour quelqu'un qui vit à Milan depuis sept ans, où les seuls aspects de l'industrie de la mode que l'on peut connaître sont les tendances et le spectacle, il est vraiment rafraîchissant de rencontrer des perspectives qui vont bien au-delà des tendances et des attentes sociales. La Biennale 2026 State of Fashion à Arnhem montre qu'il est possible de travailler dans cette industrie tout en gardant un œil critique et en imaginant des alternatives qui incluent les personnes et les territoires si souvent laissés de côté.

Bien que la plupart d'entre nous soient conscients de l'impact de l'industrie de la mode sur l'environnement et sur les conditions de vie des gens, il est parfois très difficile d'imaginer une autre façon de fabriquer de la mode sans gaspiller, polluer et exploiter. Ces approches alternatives consistent notamment à s'intéresser à d'autres traditions et matériaux non occidentaux et à considérer la différence comme une source de connaissances.

Tout en collaborant avec différents pays du monde et en offrant une plateforme à des artistes internationaux, la Biennale atteint l'objectif de maintenir son lien avec la scène artistique et de la mode locale, néerlandaise : cela est particulièrement clair dans la Stadhuisplein et Het OndernemersLab, la première exposant les projets de fin d'études des étudiants du Bachelor Fashion Design d'ArtEz, la seconde présentant un projet réalisé avec la collaboration de la communauté locale.

À partir d'Arnhem, la Biennale élargit ses horizons pour englober toutes les différentes façons possibles de faire de la mode, offrant au public un sentiment d'espoir en ces temps incertains.

Réimaginer les promesses

La Biennale 2026 State of Fashion à Arnhem, ouverte du 14 mai au 28 juin, énonce ses prémisses dès le titre Available to Promise : Hidden Systems, Shared Futures (disponible pour une promesse : systèmes cachés, avenirs partagés). Basé et ancré à Arnhem, le programme de la Biennale ouvre la porte au monde et pose une question fondamentale : qu'est-ce que la mode ?

Nous avons l'habitude de penser au produit final, mais nous ignorons généralement les processus par lesquels ces objets sont passés avant d'arriver dans nos magasins, ainsi que l'endroit où ils finissent une fois cassés, mal ajustés ou démodés. La biennale State of Fashion vise à donner au public une image globale de la mode en tant que processus, en réfléchissant à ceux qui subissent les conséquences de cette industrie et à ce qui pourrait changer à l'avenir. C'est sa principale force, l'espoir implicite que l'on remarque déjà dans le titre Disponible pour la promesse, Cela signifie que ces promesses peuvent être réimaginées et remodelées.

J'ai assisté à l'ouverture de la Biennale 2026 State of Fashion le 13 mai, et j'ai eu l'occasion de découvrir en avant-première les différents lieux où se déroule la Biennale à partir du 14 mai : l'église Eusebius, Rozet, le pavillon extérieur de Stadhuisplein, le musée Arnhem et Het OndernemersLab.

Ces cinq sites accueillent des projets liés à la mode qui alternent entre la dimension locale et le monde entier, reliant Arnhem à divers partenaires étrangers par le biais d'une série de projets de recherche intégrés au Sri Lanka, en Chine et au Ghana. La dimension internationale de la Biennale montre comment l'industrie de la mode est connectée à travers le monde, étendant ces connexions même aux mondes non-humains.

Eusebius Church : exposer l'avenir de l'industrie de la mode 

Structuré en cinq piliers interconnectés - Développer, distribuer, faire du battage médiatique, expérimenter, transformer - la Biennale révèle les aspects cachés de la production de la mode, tout en maintenant une tension productive avec ce qui est montré : cela est particulièrement clair dans l'exposition principale de l'église Eusebius, où il est possible de rencontrer des tissus, des mains, des histoires et le produit final, tout en portant un regard ironique sur les tendances de la mode. 

Après avoir visité deux autres lieux, Stadhuisplein et Het OndernemersLab, où la dimension locale de la Biennale devient évidente, l'exposition à l'église Eusebius embrasse pleinement la portée internationale de la Biennale ; un paradoxe, puisque l'exposition est située dans l'église principale de la ville. Pourtant, l'église elle-même devient la porte d'entrée vers la révélation du fonctionnement de l'industrie de la mode et du nombre de personnes et de lieux différents qui y sont impliqués.

Ce cadre, à la fois fascinant et stimulant comme l'ont noté les commissaires, accueille la partie la plus complexe de l'organisation de la Biennale, réunissant des œuvres d'art très différentes, allant des arts visuels au design de mode. C'est dans cette église que les trois commissaires, Anouchka van Driel, Shanu Walpita et Anne Zhou, ont expliqué leur vision de la mode comme un processus partagé impliquant de multiples acteurs interconnectés. En entrant dans l'église, cette interconnexion devient progressivement plus claire : de l'entrée à l'extrémité, où se trouve un orgue impressionnant, les visiteurs passent par toutes les étapes de l'industrie de la mode, de la production à la rupture.

En commençant par Développer, La première partie de l'exposition montre le travail derrière la création textile, en mettant l'accent sur les droits des travailleurs et les conditions d'exploitation auxquelles ils sont soumis. Jeune (printemps) de Wang Bing, une installation qui place des vêtements neufs, ordonnés et immaculés, à côté de séquences vidéo de travailleurs textiles migrants. Mais il y a aussi de la place pour l'espoir : Le toucher humain, une marque de mode conceptuelle allemande combinant art et activisme, imagine d'autres façons de travailler au sein de l'industrie. Le même mécanisme de critique associé à des solutions possibles est reproduit dans les piliers suivants. 

Sous Hype, La collection Riot de Charlotte Maeva Perret propose une critique explicite de la mode en circulation numérique, interrogeant la relation entre logos et identité : l'œuvre imite les produits de marque en recherchant sur Internet des images de mode emblématiques et en les imprimant sur une collection originale, inventant ainsi le concept de “piratage de la mode”. 

En conclusion de l'exposition, le pilier Transformer se confronte à la “mort” actuelle des vêtements et tente d'imaginer d'autres avenirs pour eux. Corps liquides de Rosie Broadhead, designer et chercheuse spécialisée dans les écomatériaux, envisage de nouveaux textiles bénéfiques à la fois pour l'homme et pour l'environnement, transformant le tissu en interface entre le corps et le monde qui l'entoure, dans une perspective plus qu'humaine.

Ce qui m'a le plus frappé après la visite, c'est le sentiment de fraîcheur que l'exposition transmet par ses choix curatoriaux. Et, surtout, l'espoir d'un changement futur dans l'industrie de la mode.

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