Le nouveau spectacle du chorégraphe Jan Martens, Les gens du peuple, peut être vu à Utrecht ce week-end lors de l'événement Printemps. Des dizaines d'artistes bénévoles ont un rendez-vous arrangé sur la scène de l'auditorium principal du Stadsschouwburg. Le public peut entrer et sortir entre les deux, boire une bière pendant la durée d'un ou plusieurs duos ou naviguer dans l'arrière-scène pour se familiariser avec les identités numériques des artistes. En collaboration avec le jeune réalisateur Lukas Dhont, Martens met en scène le caractère concret de l'intimité quotidienne telle qu'elle s'exprime lors des premières rencontres.
Alors que la précédente grande exposition de Martens Les jours de chien sont terminés Il a effectué des tournées internationales et, avec Dhont, il a mené des recherches dans divers endroits d'Europe pour le compte de la Commission européenne. Les gens du peuple. A Vienne, des groupes étaient encore sur scène et des images des maisons des gens étaient montrées. À Tallinn, au début des ateliers, il semblait totalement tabou de montrer quoi que ce soit de soi. À Düsseldorf, tout le monde était très dévoué et sérieux. Après plus d'un an et demi de travail préparatoire, la formule semble avoir été trouvée, un protocole pour les ateliers comme pour les représentations. Entre les préparatifs de la première mondiale au Tanzhaus de Düsseldorf début mai, j'ai parlé à Martens et Dhont.
Une émission sur des gens "normaux" ?
Jan Martens : Le terme "commun" signifie à la fois ordinaire et courant. Commun a souvent une connotation négative, mais dans mon travail, j'aime me concentrer sur le corps non formé. La question à laquelle nous avons tenté de répondre dans le cadre de ce projet était la suivante : pouvons-nous trouver un langage commun, même si tout le monde est kei-différent ?
Lukas DhontPour moi, "ordinaire" signifie qu'il s'agit de personnes que l'on pourrait également rencontrer dans son quartier. Et que vous voyez comment les gens agissent à partir de leurs antécédents, de ce qu'ils ont vécu, au moment où ils entrent en contact avec quelqu'un d'autre. Ce qui compte, ce n'est pas l'habileté, le fait que quelqu'un sache bien danser ou non, mais la vulnérabilité."
Tout le monde peut donc poser sa candidature ?
Martens : "Oui, tout le monde. Nous ne recevons pas non plus les gens à l'avance. Nous demandons un CV et une photo, pour veiller un peu à la diversité. Pour ne pas se retrouver avec uniquement des hommes blonds entre 20 et 30 ans, ou uniquement des personnes issues du secteur social - elles postulent beaucoup, par exemple."
Dhont : "Nous souhaitons que le groupe soit le reflet de la société. Mais ce n'est pas le cas partout. Ici, à Düsseldorf, par exemple, il n'y a que quatre personnes de couleur parmi eux".
Et comment préparer les gens ?
Martens : "Nous organisons trois séances avec eux pour leur faire prendre conscience de leur propre corps et de la manière de se comporter avec le corps de l'autre personne. J'accorde également beaucoup d'attention au fait de prendre le temps. Le temps, c'est la profondeur. C'est ce que nous leur imposons dans les ateliers. Et aussi dans les scénarios. Ce faisant, je les éloigne également du quotidien, où tout doit être incroyablement précipité et rapide".
Dhont : "Nous leur parlons ensuite du temps qu'ils passent sur l'internet et sur leur téléphone. De tout ce qu'ils y échangent avec d'autres. Ce que l'on peut trouver sur eux en ligne et comment cela façonne ma perception d'eux. "
Après les ateliers, Jan, Lukas et leur équipe décident qui va avec qui le premier soir, dans quel ordre et avec quel scénario. Le deuxième soir, tout se répète avec un autre partenaire, encore inconnu, et d'autres scénarios, et le carrousel des rencontres à l'aveugle est terminé.
La performance encourage le voyeurisme flagrant, mais l'annule en même temps en encadrant très soigneusement les réactions, les attentes, les projections et les jugements - en raison de l'apparence physique ou de la performance sociale. Avec des moyens minimaux, typiques de l'ensemble du travail de Martens, la performance envisage le vital et le fragile dans la rencontre entre étrangers.
Martens : "Pour moi, il s'agit de stratégies : comment faire face à cet étranger, comment réagir, comment la stratégie de l'autre personne m'affecte-t-elle, dois-je la suivre ou non ? Et puis aussi : comment gérer le public ? Certains interprètes sont complètement absorbés par leur duo et oublient la scène, tandis que d'autres sont très conscients de la situation dans le théâtre. Le fait de voir tant de décisions prises par le public, conscientes et inconscientes, fait ressortir l'humanité. Bientôt, la question n'est plus de savoir si quelqu'un parvient à être authentique ou non. Ce qui compte, ce sont les décisions et l'élaboration d'une stratégie, et le fait de devoir s'écarter de cette stratégie. Parce qu'en tant que participant, vous pensez à l'avance : je vais faire ceci et cela, mais l'autre personne ne correspond pas à ce que vous attendiez. Comment gérez-vous cela maintenant ?"
L'empilement des moments par duo peut être multiplié par le nombre de duos. À Düsseldorf, il y en avait 23, à Utrecht, il y en aura 22. Mais même en tant que spectateur, vous prenez des décisions, vous êtes conscient de votre apparence et de la réaction de vos voisins dans la salle. Lentement, chacun semble faire partie d'un processus où l'on regarde et où l'on est regardé, où la réalisation et la réflexion vont de pair. C'est aussi une guerre d'usure. Une longue soirée de théâtre à l'ancienne, pour ceux qui restent jusqu'au bout.
Martens : "La répétitivité vous invite à vous recentrer. On se dit 'ok, c'est ça' et on se pose alors la question suivante : vais-je investir là-dedans ou pas ? Et si j'investis là-dedans, comment et qu'est-ce que je vais trouver ? J'attends également avec impatience la grande salle d'Utrecht. Je sais maintenant qu'un cadre grandiose, un contexte théâtral distinct, est bon pour la pièce. La simplicité de cette rencontre est alors mise sur un pied d'égalité avec l'ensemble du théâtre...machien. C'est à se demander où l'on va chercher le spectacle de nos jours. Le fait que deux personnes, qui ne se connaissent pas, parviennent à une fin harmonieuse ou à s'approcher l'une de l'autre : n'est-ce pas beaucoup plus spectaculaire qu'un incroyable jeu de lumières ou, pour ma part, huit acteurs hurlants sur scène ? Il s'agit de la vulnérabilité et de la façon dont chacun y fait face. Comme dans la vie de tous les jours : que se passe-t-il si vous dites bonjour à quelqu'un et qu'il ne vous répond pas ? Qu'est-ce qui est le plus intense dans cette situation ? La peur de s'éteindre est présente en chacun de nous. C'est ce que la série dépeint, mais elle y résiste aussi".
Les gens ordinaires dure trois heures et se déroule dans un cadre extrêmement minimaliste. Seul l'éclairage subtil de Jan Fedinger donne à l'espace un aspect scénique, ce qui atténue quelque peu la nudité proverbiale des représentations. Les duos durent entre 4 et 10 minutes, en fonction de l'interaction. Différentes expériences temporelles se croisent : les duos eux-mêmes sont extrêmement concentrés et relativement lents, tandis que le déroulement de la soirée a quelque chose de flashy en raison des nombreux moments courts qui se succèdent et s'entremêlent dans la mémoire.
Pourquoi des duos ?
Martens : "Les duos sont intimes par définition, mais ils me permettent aussi de transférer beaucoup de responsabilités. En duo, seuls sur scène, les interprètes sont non seulement très vulnérables, mais aussi terriblement forts ensemble. Une rencontre à l'aveugle signifie que l'on ne sait pas tout et que l'on ne peut donc pas se préparer à tout. Je sais aussi qu'en partie cela peut avoir des associations sensuelles, que les gens réalisent soudain à quel point ils sont proches. Mais il est également important que les gens décident eux-mêmes, dans le cadre du scénario, jusqu'où ils iront. C'est justement la beauté de la chose, car ce n'est pas moi qui décide en tant que chorégraphe. Je trouve significatif que certains hésitent et que d'autres se lancent avec une conviction totale.
Il y a aussi le risque que la performance devienne un bain de se sentir bien devient. Comment faire face à cette situation ?
Martens: "Oui, le décor dépouillé, la formalité et la répétition contrebalancent en partie la douceur. Dans mes performances précédentes, la manipulation faisait toujours partie du langage. En tant que spectateur, vous aviez l'impression d'avoir été détourné par l'œuvre. Dans Les gens ordinaires Je l'ai laissé de côté. Mais en raison de la séquence, il se passe évidemment quelque chose. La manipulation, ce que l'on pourrait appeler la signature, est beaucoup plus subtile. Je ne me suis pas retiré en tant qu'auteur, mais je me suis rendu presque invisible. Cela signifie qu'il y a un autre type de processus, quelque chose de plus autorégulé. Je dois vraiment lâcher beaucoup de choses. Au départ, les scénarios étaient plus détaillés, il y avait aussi beaucoup moins de duos et Lukas avait tourné les films chez les gens. Par conséquent, nous avons accordé beaucoup trop d'importance à chaque duo et nous avons également rendu les participants responsables d'un certain résultat ou d'un certain contenu. Il ne s'agissait plus de la rencontre en soi. Il fallait que tout cela paraisse beaucoup plus banal, que l'on ait l'impression, en tant que spectateur et en tant que participant, que la série de rencontres était... aléatoire choisi".
Vous écrivez que le spectacle est une réfutation de la connexion en ligne. Y a-t-il quelque chose qui ne va pas avec notre utilisation des smartphones et les nombreuses heures que nous passons sur les médias sociaux ? Je veux dire, vous le faites vous-mêmes, n'est-ce pas ?
Martens : "En effet, on me trouve souvent en ligne. Mais plutôt que de prendre position, il s'agit de créer une opportunité de sensibilisation. Toutes les possibilités offertes par la technologie sont fantastiques, nous partageons des connaissances, nous nous connectons très facilement, mais je me demande parfois si nous en faisons un point d'honneur au bon moment. Des études montrent très clairement que l'utilisation d'Internet fragmente notre attention, qu'elle entraîne des troubles de la concentration. Il y a toujours des distractions. Mais il y a aussi le fait que, grâce à l'internet, on a besoin de beaucoup moins de contacts dans la vie réelle. Vous commandez vos courses en ligne, vous n'avez donc plus besoin de vous rendre dans un magasin. Le contact physique disparaît.
Dhont : "Le fait que vous vous surpreniez à saisir votre téléphone portable chaque fois qu'il n'y a pas de remplissage, mais aussi la pression que vous ressentez d'être partout, pas seulement ici, tout de suite. Toujours joignable ou disponible pour vos amis".
Martens : "Je suis beaucoup plus consciente de cela maintenant, je laisse mon téléphone à la maison lorsque je vais en ville pour quelques heures, afin que je puisse vraiment me détendre par exemple. "
Dhont : "On constate également que les gens se sentent obligés de montrer le meilleur d'eux-mêmes, d'impressionner. La réalité et la façon dont les gens se présentent en ligne peuvent être très éloignées. Et je pense que c'est vraiment un danger, que les gens ne se préoccupent plus de la réalité, mais d'une réalité imaginaire".
Et pourquoi cette installation sur scène ?
Dhont : Je pense qu'il est important que les gens doivent traverser la scène. Et qu'ils puissent être vus dans cet autre espace. C'est une façon très différente de voir les choses. Les informations numériques que l'on peut trouver sur les participants à l'installation sont en fait incroyablement privées et personnelles. Le public passe d'une position à l'autre dans la performance. D'une part, il s'agit d'un regard très intense, et d'autre part, il s'agit d'un regard qui va de "nous sommes autorisés à bouger, alors nous le ferons" à "qu'est-ce que je suis en train de regarder et pourquoi est-ce que je fais ça ? En fin de compte, l'installation est aussi une question de toucher.
Martens : "Il est également important que le public puisse choisir sa propre piste si l'on veut que ce processus de prise de conscience s'amorce. Il s'agit de différentes formes d'intimité. Et l'attitude à cet égard varie également d'un lieu à l'autre".
Est Les gens ordinaires une performance thérapeutique ?
Martens : "Peut-être parce que les gens prennent conscience de leur apparence ou de ce qu'ils font avec leur téléphone portable. Nous portons beaucoup de jugements sur les gens au premier coup d'œil. Le spectacle permet d'y remédier en douceur. Si vous laissez les gens se dégeler un peu, vous vous rendez compte que la plupart d'entre eux sont très bien. Mais en même temps, il ne s'agit pas seulement d'une question d'argent. se sentir bien. Il peut aussi être abrasif. Le fait que nous ne le dirigions que dans une mesure limitée, que nous ne lui donnions qu'un format serré, crée une sorte de dramaturgie naturelle, que nous n'aurions jamais pu déterminer ainsi à l'avance. À chaque fois, je me préoccupe de la façon dont les choses se déroulent, de l'intérêt que les gens portent au film. Je ne détermine pas la courbe de tension. Et c'est très risqué et très engageant".
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